Tá falando comigo?

Verônicas

2011-10-28T10:50:00.000-07:00

A polonesa Weronika e a francesa Véronique nasceram no mesmo ano e são a mesma pessoa com poucas diferenças, talvez nenhuma, de acordo com o ponto de vista de cada um, já que esta é uma obra bastante subjetiva, como um quadro na parede, pedindo o parecer particular de quem o observa. Um elo as liga, a música. Um sentimento as intriga, a intuição de algo que falta, de algo que se escapa, deixando ambas sozinhas no mundo; esse algo é justamente a existência de outro (entra aqui o conceito do “duplo”, idéia que não sigo, preferindo acreditar na alma una das Verônicas) alguém não apenas igual a si mesmo, mas outro alguém que é exatamente a outra pessoa (em um lance rápido, no começo do filme, uma das Verônicas vê a outra e tem apenas uma sensação estranha; isso é muito compreensivo e dá o que pensar: se víssemos a nós mesmos em um ponto de ônibus ou dentro de um metrô, será que nos reconheceríamos de imediato? Por mais que conheçamos nossa imagem do espelho, acredito que levaria algum tempo para a ficha cair, tão surreal seria a situação). Parece confuso e não deixa de ser para as Verônicas, mas, para o espectador, tudo é tão simples, tão fluído, tão comum, tal o modo que o grande diretor Krzysztof Kieslowski guia a história do filme A Dupla Vida de Véronique (La Doublé Vie de Véronique, França/Polônia/Noruega, 1991), onde a poesia e a delicadeza tomam o lugar de uma narrativa que poderia ser toda angústia, toda mistério. Nada é dito, mas temos certeza de que gêmeas não são. E não temos necessidade que o fenômeno se explique; a única coisa que queremos é que Verônica não sofra, pois não existe ser mais doce e meigo, mais lindo e poético que ela; belíssimo trabalho de Irene Jacob, premiada em Cannes pelo trabalho. O final do filme tem um tom mais didático, mas mesmo esse didatismo é mostrado através da fantasia, com a entrada em cena do escritor de livros infantis, que inventa para suas belas marionetes a história de duas mulheres que estranhamente são uma só.

A música, tirada de Dante, é um elemento importantíssimo no filme, ligando as duas Verônicas e nos dizendo muito sobre elas. Uma música que está onipresente todo o tempo, cantada, tocada na flauta ou apenas silentemente sentida. Com sua costumeira fotografia, Krzysztof Kieslowski nos conta lindamente a história dessa cigarra, criatura venturosa de ignorar a própria desventura. Belo filme.

O Segredo de Mary Reilly

2011-08-06T22:18:00.000-07:00

Adaptação do clássico O Médico e o Monstro, mas focado na figura da empregada da casa, que sabia todo o segredo do Dr. Jekyll. Daí o título do filme? Não! O Segredo de Mary Reilly (Mary Reilly, EUA, 1996) é anterior a isso tudo. Um segredo doloroso que ela esconde muito, apesar de seu próprio corpo revelar pequenas coisas. Esse segredo e sua descoberta deixam a moça na estima do Dr. Jekyll, que agora a tem como uma espécie de cúmplice de suas loucuras, dele e de Mr. Hyde, ou seja, ele mesmo. O filme tem uma atmosfera pra lá de sombria e sórdida e vemos muitos detalhes do que ocorre no laboratório do Dr. Jekyll; até a transformação é mostrada de forma abominável em detalhes. O médico e também o monstro são feitos com maestria pelo ótimo John Malkovich; Glenn Close está muito bem como uma sinistra prostituta; estes dois atores já fizeram juntos o magnífico Ligações Perigosas, dirigido pelo mesmo Stephen Frears. Stephen Frears é um diretor que trabalha muitíssimo bem com filmes de época e com histórias que mostram o lado mais feio dos seres humanos, vide Ligações Perigosas e Os Imorais, e neste filme o lado feio é mostrado também externamente, na figura de Mr. Hyde. Quanto a Julia Roberts, considero esta sua melhor atuação; sua Mary Reilly é perfeitamente humilde, hermética e sofrida. Ótimo filme.

“Esperanças arruinadas e boas intenções...”

2011-06-16T10:32:00.000-07:00

George e Martha, vinte anos de casamento. Ele, professor do departamento de História, e ela, a filha do reitor. O relacionamento dos dois é tumultuado e a rotina é de mútua humilhação. Ela, irascível. Ele, sarcástico. Ambos, acídulos nas palavras. Por pedido do pai de Martha, recebem, tarde da noite, a visita de um jovem casal, Nick e Honey. Nick é o ambicioso professor do departamento de Biologia, da mesma instituição de George, e Honey é uma moça rica. De começo, o jovem casal fica espantado e constrangido com a atitude de George e Martha, com seus jogos cruéis, mas acabam ficando noite adentro e até tomam parte nos jogos. Com o passar do tempo, descobrimos que o jovem casal tem grande potencial de ser uma futura cópia de George e Martha. Os quatro passaram por situações limite e muita tensão. Há um momento em que George pega uma arma e atira na cabeça de Martha, mas a arma é falsa e todos riem nervosamente. A cena é incrível. Eles bebem o tempo todo e o álcool vai funcionando como um elixir da verdade. Martha tem sempre a vantagem na batalha contra George, através do jovem e belo professor, que ela seduz. Depois do episódio do falso tiro, Martha chega a dizer a Nick “Nada de armas falsas com você, heim!” Há sempre muita malícia nas palavras de Martha. Honey, bêbada, pontuado a ação (Violência! Violência!). George observando-se na gradação “Bom, ótimo, o melhor, derrotado”. Quando os brios de George não agüentam mais, ele parte para o ataque, primeiro contra o jovem casal “É preciso ter um porco para achar as trufas”, que se arrepende amargamente de ter entrado no jogo. Depois ataca Martha (que infligiu uma regra) em seu ponto mais frágil, seu filho.

O grande diretor Mike Nichols, já em sua estréia, fez um dos maiores filmes do cinema. Um filme poderoso, onde o clima é de desabafo, ressentimentos (“por que não me beija George”); malícia (Em um momento Nick falha com Martha na cama; em outro, quando George manda Nick se foder, Martha observa: Ele não pode; está bêbado demais); embate filosófico entre a história e a biologia; embate emocional entre amor e ódio (Martha é a primeira a defender George quando ele é ameaçado fisicamente).

Personagens destrutivos e autodestrutivos, mentiras reveladoras, verdades mascaradas, fatos obscuros (“bergin”, “livro”, “filho”, “Virgínia Woolf”); até as “Flores para los muertos” aparece, como em Um Bonde Chamado Desejo. São elementos integrantes e intrigantes de um texto dos mais brilhantes já vistos em um filme.

O elenco está perfeito; Sandy Dennis como a hilária e patética Honey (Oscar de atriz coadjuvante); um jovem George Segal como o belo e ambicioso professor; Richard Burton, bom como nunca, dando a George cínicas risadinhas; e Liz Taylor absoluta, num despojamento digno do Oscar que recebeu.

Quem Tem Medo de Virgínia Woolf? (Who's Afraid of Virginia Woolf?, EUA, 1966) foi baseado na peça do grande dramaturgo Edward Albee, cujas peças tem, sobretudo, um forte cunho psicológico, mostrando o conflito homem versus sociedade; Albee, um dos pilares do teatro do absurdo, é conhecido como o dramaturgo da incomunicabilidade. Um autor maravilhoso, cuja obra, infelizmente, não é editada em português; suas peças chegam até nós através de companhias de teatro, que compram o direito de exibição das peças e fazem, eles mesmos, suas traduções; as mais conhecidas são “Três Mulheres Altas”, “A História do Zoológico”, “A Morte de Bessie Smith”, “Quem Tem Medo de Virgínia Woolf” e “A Peça Sobre o Bebê”. A peça em que se baseou o filme tem, na íntegra, três horas e meia de duração e foi, desde sua estréia, um marco da moderna dramaturgia mundial. As homéricas batalhas verbais entre George e Martha são o ponto alto, tanto da peça quanto do filme. O título da peça tem intrigado as pessoas por muitos anos. Aqui vai uma explicação: o próprio Albee contou uma vez, que viu escrita, em um espelho de bar, a frase “Who’s afraid of Virginia Woolf?” (Wolf com apenas um “o” que dizer lobo). O curioso trocadilho com a famosa canção do desenho Os Três Porquinhos “who’s afraid of the big bad wolf?”, levou Albee a fazer analogias entre a fragilidade das casas que os porquinhos construíram e o clima emocional da peça/personagens. Ele teve a idéia de nomear a peça como “Quem Tem Medo do Lobo Mau?”, mas desistiu por causa dos caros direitos autorais da Disney. Deixou, então, o título como conhecemos, que, aliás, é bem mais genial, já que Virgínia Woolf era bipolar e vivia em conflito com o marido e consigo mesma, até se matar.

No final do filme, George volta a cantar o trecho “Quem tem medo de Virgínia Woolf?” e Martha responde “Eu tenho, George. Eu tenho” Genial! Os porquinhos também tinham medo de abrir as portas. Termino, deixando para reflexão, as palavras de George: “Quando se rasga a pele e os músculos, se destrói os órgãos e chega aos ossos; o que fazer com o tutano?”.

2011-06-15T19:51:00.000-07:00

Fiz este mosaico de estrelas em homenagem a essa arte que tanto amamos. Posto aqui para que possam vê-lo grande. Basta clicar nela.

Boogie Nights

2011-05-29T02:54:00.000-07:00

Boogie Nights – Prazer Sem Limites (Boogie Nights, EUA, 1997) é um retrato contundente do mundo pornográfico das décadas de 70/80. Um elenco incrível dá vida a uma rica galeria de personagens, da qual mesmo os não protagonistas não são tratados como meros coadjuvantes. As histórias desses personagens se cruzam em algum momento, o que nos faz lembrar as construções narrativas da obra de Robert Altman. A maravilhosa estética do filme é bem cuidada e a trilha sonora escolhida a dedo, o que nos faz lembrar Quentin Tarantino. Isso não quer dizer que Paul Thomas Anderson não seja um diretor com idéias e características próprias. Pelo contrário, ele se renova e nos surpreende a cada novo filme e tenho certeza de que ele ainda nos brindará com filmes incríveis futuramente. O forte do filme é o elenco bem dirigido: William H. Macy, Heather Graham, Don Cheadle, Mark Whalberg e Julianne Moore. O filme ainda foi responsável pela volta de Burt Reynolds, em seu melhor papel no cinema. Quem conhece a pornografia dos anos 70/80 através de vídeo cassete, reconhece no filme o inegável clima desse mundo, ou melhor, submundo, e sente uma obscena nostalgia e quem não conhecer o filme poderá jurar que ele foi feito nos anos 70. Os cortes de cena, ou o contrário, as longas tomadas, são um show à parte; numa seqüência fabulosa, a câmara passeia entre os convidados de um churrasco e mergulha na piscina, seguindo outros; este é, realmente, o filme dos planos-sequência geniais; visualmente o resultado é magnífico; emocionalmente é arrebatador. Grande filme. Foi indicado aos Oscars de melhor ator coadjuvante, atriz coadjuvante (sendo que tanto ator como atriz são principais) e roteiro original (do próprio diretor); indicado ao Globo de Ouro de atriz coadjuvante, ganhou o de ator coadjuvante.

“Eu te homo...”

2011-05-28T17:28:00.000-07:00

Scott Pilgrim Contra o Mundo (Scott Pilgrim vs. the World, EUA/Canadá, 2010) é uma grande e ótima surpresa, um filme muito agradável e divertido de se ver. O jovem e talentoso diretor, o traquinas Edgar Wright, não tem mesmo medo de ousar fazendo um filme baseado em um HQ, mas com visual de videogame. O resultado é muito bonito, muito artístico. As referências aos games são muitas, desde Mario até Street Fighter, enquanto os balões informativos e as onomatopéias aludem aos quadrinhos. Tudo isso é usado com muito tato, humor e competência por diretor e equipe, formando um todo coeso e gratificante de se ver, uma festa para os olhos. É mais que isso, os recursos gráficos muitas vezes definem os personagens e as cores significam emoções; nada está ali somente para ser divertido e bonitinho. A edição virtuosa é um show e devia ter sido indicada ao Oscar, mas como reflexo de sua bilheteria nos EUA, o filme foi ignorado, o que espanta num filme bem americano e com as qualidades que eles gostam; fico pensando que uma razão para os americanos não ter gostado do filme foi por não terem entendido nada, pois o enredo, apesar de simples, desenvolve-se de forma complexa, sendo o modo como o tempo é utilizado, um exemplo. A história é deliciosamente absurda ao extremo, pois o absurdo para ser delicioso como em Bob Esponja e A Vaca e o Frango tem de ser extremos.

Scott Pilgrim (interpretado com êxito por Michel Cera, pois este, mesmo se repetindo algumas vezes, tem carisma suficiente para sempre gostarmos dele na tela) é um jovem canadense comum (já que os personagens não tem noção ou não fazem caso de lutarem como heróis de videogames) que acabou de levar um pé na bunda da namorada, ficou com uma adolescente e desistiu desta por uma paixão fulminante, ou seja, um jovem bemmmm normal. Na verdade tudo que Scott sofre é bem merecido, pois ele não hesita em deixar sua namoradinha quando Ramona aparece; Scott e Ramona são terríveis com os seus pares românticos, mas o são sem maldade, são apenas exemplares típicos dos jovens de hoje, cuja paixão é mais sensual que romântica. Mal começa a se envolver com Ramona e descobre que tem pela frente a tarefa de enfrentar os sete ex-namorados do mal que não se conformam de terem levado cada um seu pé na bunda. As lutas contra os ex-namorados significam amadurecimento e superação; são fases (como nos games) que Scott tem de não apenas superar, mas vencer mesmo, ou não evoluirá. Ramona também passa por fases, mostradas na mudança da cor de seus rebeldes cabelos; olhando direitinho todos passam por alguma mudança, como uma das exs de Scott que consegue finalmente lhe perdoar, o amigo gay que se impõe e põe Scott para fora de casa, etc. Outro fator tratado com realidade é a falta de beleza física de Scott (pelo menos a beleza estereotipada); ele não tem certos atrativos físicos, mas se mostra incrivelmente atraente por dentro, e isso faz as garotas se apaixonarem por ele, coisa que acontece muitos com os jovens de hoje, que a apesar de se rasgarem por seus belos ídolos, na vida real dão mais valor ao conteúdo do seu par romântico (falo dos jovens modernos e inteligentes, pois a parcela ignóbil ainda existe). Os efeitos especiais, os gráficos, dão ao filme uma surpreendente veracidade, pois espelham fielmente os jovens de hoje e seu mundo fantástico, jovens que não tem mais vergonha de serem nerds ou o que quiserem ser; eles são a bola da vez.

O jovem elenco é ótimo, todos combinando com seu personagem, como Anna Kendrick fazendo a irmã de Scott, Jason Scwartman como o vilão mor Gideon Graves, Aubrey Plaza como a boca suja Julie Powers, Alison Pill excelente como a invocada Kim Pine, Mary Elizabeth Winstead como a fulgaz Ramona Flowers, Johnny Simmons como Young Neil e Mark Webber como Stephen Stills se saem bem também; dois galãs do cinema atual fazem pontas divertidas, Chris Evans como o galã Lucas Lee e Brandon Routh como o vegano Todd Ingram; destaque especial para Ellen Wong como Knives Chau, a ficante quase namorada abandonada de Scott, e Kieran Culkin (irmão de Macaulay, na aparência e no talento) como o melhor amigo de Scott, cujo fato de ser super gay não é levado em conta pelos outros personagens (Scott até dorme no mesmo leito que ele), outra característica dos jovens de hoje, cada vez menos preconceituosos (falo dos saudáveis psiquicamente).

Sobre o diretor, todos concordam que é talentoso e inventivo, como mostrou em “Todo Mundo Quase Morto” e “Chumbo Grosso” (filmes batizados de trilogia sangue e sorvete; o terceiro ainda está por vir) e parte desse talento tem influência do amigo Quentin Taratino, com quem já contribuiu com o divertido trailer fake “Don’t” para o projeto Grinhouse. Interessante como ninguém ainda falou sobre as referências a Kill Bill, que para mim são bem claras: o didatismo das informações em balões, aqui usadas como elemento cômico; a lista de vilões destinados à morte; e as brigas entre mulheres, sendo a luta entre Ramona Flowers e sua ex Roxy Richter uma nítida homenagem à luta entre Beatrix Kiddo contra Gogo Yubari. Scott Pilgrim Contra o Mundo é um refrigério.

Magnólia

2011-05-25T12:13:00.000-07:00

Embora a crítica considere Boogie Nights o melhor trabalho do diretor Paul Thomas Anderson, eu prefiro Magnólia (Magnolia, EUA, 1999), um dos meus filmes preferidos. Por causa de sua longa duração, 189 minutos, o próprio diretor, em entrevistas, disse se tratar de um épico. E não deixa de ser curioso o caráter épico dos filmes de PTA; vide Boogie Nights (épico sobre o mundo pornô das décadas de 70/80, mostrando seu apogeu e decadência); e Sangue Negro, (épico nos moldes tradicionais). Magnólia mostra-se então um “épico” inusitado: seus temas são traumas familiares e traições conjugais. O elenco é dos melhores; Philip Baker Hall é magnífico e até Tom Cruise prova de uma vez por todas que pode unir beleza e talento. PTA volta a trabalhar com Julianne Moore e Philip Seymour Hoffman, que ele não é bobo. Assim como em Boogie Nights, há uma rica galeria de personagens, só que aqui essa galeria é enorme, lembra muito Short Cuts, do Robert Altman. São pelo menos uns vinte personagens em nove historias (a magnólia tem muitas pétalas em várias camadas), cada um com seu drama arrasador; isso tudo cobrindo um período de apenas 24 horas. Uma das cenas finais é uma linda surpresa, que já despertou a curiosidade de muitos. A trilha sonora é linda e tocante, com canções melancólicas da Amiee Mann. Foi indicado aos Oscars de melhor ator coadjuvante, roteiro original (do próprio PTA) e canção; Globo de Ouro de ator coadjuvante e indicação de melhor canção; Urso de Ouro em Berlim. É um filme difícil, exigindo mais de uma assistida para uma total compreensão. Mas, já na primeira, temos a perfeita noção de que é uma obra maravilhosa.

The Royal Tenembaums

2011-05-20T11:20:00.000-07:00

Os Excêntricos Tenenbaums (EUA, 2001), cujo título original The Royal Tenembaums nos diz muito mais sobre esta família, é um filme diferente e muito criativo. É um livro e, como tal, dividido em capítulos. Facilmente passa por comédia, mas é pleno em drama e seus personagens tem um acento melancólico. Os filhos desta família, apesar de superdotados, em contato com um problema familiar real, se desestruturam e seguem abalados até a fase adulta, onde tentarão ajustar contas em família. O diretor Wes Anderson costuma trazer personagens com estas características, frustração e fracasso pessoal, pessoas que os americanos cruelmente chamam de “loser”. O elenco é dos melhores, onde destaco Gwyneth Paltrow, em uma de suas melhores atuações. Finalizando, o filme é um belo sonho, leve no visual, pesado nas emoções e embalado por muito rock do bom.

Deixe Ela Entrar

2011-04-28T06:49:00.000-07:00

Oi, estou no banheiro. Por favor, não entre! Quer ficar comigo hoje à noite? Gosto de você de verdade. Sua, Eli.

O filme sueco Deixe Ela Entrar (Låt den rätte komma in, Suécia, 2008) é uma pequena jóia da sétima arte. Tanto sua brutalidade como sua sutileza são sublimes e o filme causa grande empatia (aquilo que faz uma pessoa se colocar no lugar da outra) no expectador. E ainda tem o mérito de dar novo alento às histórias de vampiros, mostrando um tipo diferente do que estamos acostumados a ver. Conta uma história de amizade, de amor, entre duas crianças de doze anos, uma menina vampira, Eli, e um menino louro e tímido, Oskar (um dos personagens mais cativantes que já vi no cinema). Os dois se apóiam um no outro para fugir da solidão. Os personagens são mais complexos que isso. Eli traz em si o hermetismo de uma longa vivência. Oskar, vítima da violência/bullying na escola, revela nos pensamentos sua vingança, que só chega de fato através de Eli. Ele a protege da solidão com amor; e ela com amor o protege da agressão. Os diálogos entre os dois são simples e inteligentes, dando margem a mais de uma interpretação. Tudo isto dirigido com segurança, economia e sensibilidade por Tomas Alfredson. Cenas marcantes: a já famosa cena da matança na piscina, que é um primor de técnica e, para mim, a mais impactante, a descoberta do porquê ela tem que ter permissão para entrar. Filme imperdível.

Sede de Sangue

2011-04-27T09:45:00.000-07:00

Chan-wook Park, diretor da cultuada trilogia da vingança, nos entrega mais um filme singular tanto na qualidade como na violência. O filme é um banho de sangue e vai embrulhar o estômago dos mais sensíveis. O vampirismo voltou com tudo na literatura e no cinema, mas Sede de Sangue (Bakjwi/Thirst, Coréia do Sul, 2009) assim como Deixe Ela Entrar, se destacam por trazer um tipo novo de vampiro, feito com muito realismo; um modelo de como seriam essas criaturas se existissem. Sede de Sangue, com sua história de um padre que se descobre vampiro, é um filme forte, surpreendente, que só peca um pouco no final, quando o roteiro escorrega para algo que se parece com uma comédia de humor negro, quebrando o tom que o filme vinha tendo até então.

Distrito 9

2011-03-17T01:38:00.000-07:00

Distrito 9 (District 9, África do Sul/EUA/Nova Zelândia, 2009) é um filme maravilhoso que me arrebatou de cara. Inteligente, criativo, ousado, crítico e muito, muito bem feito. É filmado em grande parte como documentário, mas com agilidade o suficiente para não ser chato (não que os documentários sejam, mas aqui corria o risco, por não ser de fato um documentário). Uma gigantesca nave alienígena sofre avarias e quebra na Terra, ficando estacionada no ar por meses; ela não é invadida nem derruba pelos humanos devido a sua alta tecnologia. Seus tripulantes feridos são acolhidos na Terra, mas especificamente em Joanesburgo na África do Sul ao invés de nos EUA, como de costume. Ali são mantidos em uma espécie de campo de refugiados que com o tempo vira uma favela. Por causa de seu aspecto, os ETs são chamados de camarão, pois terráqueo tem mania de apelidar os outros. Somos inteirados em detalhes do modo de vida dos ETs; vemos eles famintos, catando no lixo algo para comer, se submetendo ao tráfico de armas com nigerianos, e isso em troca de algo que adoram “comida de gato”

Com o tempo a favela dos ETs vira um caos e começa a intimidar os humanos (sul-africanos). Para elucidar a situação, a MNU (equivalente a ONU) decidi desalojar os exilados, levando-os para um campo mesmo de concentração, chamado Distrito 10. O responsável por essa missão, Wikus Van De Merwe, burocrata oportunista sem muita ética, se contamina com um líquido alienígena e começa um rápido e apavorante processo de transformação em um dos ETs, sofrendo agora o preconceito que sentia. Ele se vê perseguido, pois sendo agora um híbrido de humano-ET, ele pode manejar as poderosas armas alienígenas, que só funcionam com os aliens. Não dá para contar mais da trama sem estragar-lhe as surpresas.

O diretor sul-africano Neill Blomkamp, apadrinhado pelo produtor Peter Jackson, fez um filme surpreendente, com caprichadas cenas de ação, como na seqüencia final, e forte e irônica crítica social, aproveitando sua estética de documentário (lembramos até dos documentários de Michael Moore, com sua acidez). Os efeitos visuais são fantásticos e convincentes para uma produção que custou apenas 30 milhões. Ficam claras as metáforas do campo de refugiados dos ETs com Soweto (foi filmado mesmo em Soweto) e outros distritos africanos; a xenofobia com a segregação social do Apartheid; e a situação dos ETs com a situação dos miseráveis da África; a fotografia fantástica ajuda a criar o clima de tal miséria. O ser humano se mostra tão odioso com eles como foram com seus semelhantes africanos, especialmente numa cena de sórdida crueldade, quando incendeiam os ovos dos Ets, fazendo piadas com a palavra aborto. Não agradou alguns por ter estética de documentário e a outros por apresentar tal estética e depois quebrá-la; eles não lembram que o filme é ótimo independendo da estética usada. Houve uma quebra sim, mas não de qualidade; e o filme mescla em sua narrativa a estética de documentário, não sendo um de fato; é uma obra de ficção que imita a realidade. Indicado a quatro Oscars: filme, roteiro adaptado, efeitos visuais e edição (esse para mim foi o melhor dos indicados, seguido de Bastardos Inglórios, quando as apostas iam para os medianos Avatar e Guerra ao Terror). O final do filme deixa bem clara a intenção de se fazer uma continuação; tomara que venha logo.

“Quer saber o que eu gosto em você? Você me rejeitou”.

2011-03-16T22:36:00.000-07:00

Azul Escuro Quase Preto (Azuloscurocasinegro, 2006) um interessante filme espanhol com toques a lá Almodóvar, mas toca predominantemente no tema da crítica social, sugerindo mais do que dando soluções. Não é um filme muito conhecido, apesar de ter ganho muitos prêmios; talvez o tenham achado pessimista demais, depressivo demais, filmado de forma muito realista, um realismo tão puro que incomoda quem quer ver mesmo a verdade um pouco maquiada.

Personagens: Jorge, um jovem ético, inteligente, bonito e infelizmente pobre; prestes a correr atrás de um futuro melhor, se vê obrigado a cuidar do pai inválido; ele fez Administração e se esforça para mudar de vida, mas suas tentativas são baldadas; é triste vê-lo sempre desejoso daquele terno na vitrine; é triste vê-lo ter vergonha de seus dentes separados e de ser porteiro; é doloroso ver sua alegria e juventude podadas. Antonio, irmão mais velho de Jorge, está preso e tenta ter um filho com Paula, outra presa; suas ambições para o futuro são morar com Paula e abrir uma vídeo locadora. Paula, bonita moça, presa atormentada por suas companheiras; ela deseja engravidar a todo custo, seja para escapar de suas molestadoras, seja para suprir a falta de uma filha que já na barriga não vingou. Israel é um jovem desocupado que vive espiando com seu binóculo o trabalho de um massagista; esse massagista faz favores sexuais aos clientes, sendo um deles o pai de Israel; logo Israel, com algum conflito, se vê outro cliente.

Essas histórias vivem se encontrando no sentido de mostrarem afinidade entre os personagens, mostrando pessoas ávidas por liberdade, mas ambas presas, enganando a si mesmas quando pensam no futuro com otimismo. Almodóvar é lembrado por temas como homossexualidade, pelo absurdo de algumas situações e pela mescla de drama e comédia na mesma dosagem, quer dizer, as situações são engraçadas não porque filmadas como comédia, mas pelo seu absurdo.

O filme é o primeiro trabalho do diretor Daniel Sánchez Arévalo, que também é responsável pelo roteiro. O elenco é ótimo, a começar pelo Quim Gutiérrez, talentoso de causar pena em algumas cenas e belo apesar dos dentes separados. Marta Etura é uma atriz que ainda vai dar o que falar, bonita e com rosto muito dramático.

O belo título original, Azuloscurocasinegro, é uma palavra só porque o caso aqui não é de gradação, não é um azul escuro tornando-se preto, e também não é como a palavra italiana “chiaroscuro” que mostra um jogo de opostos; azuloscurocasinegro é um tom triste, frio e constante na vida desses personagens; um tom apenas...

Eu senti... perfeito... foi perfeito!

2011-02-21T04:19:00.000-08:00

O diretor Darren Aronofsky tem apenas 42 anos e já nos deu uma filmografia excelente, PI, Réquiem para um Sonho (meu preferido dele), Fonte da Vida, O Lutador, e agora Cisne Negro (Black Swan, 2010); fico curioso de ver como será seu próximo projeto, Wolverine 2, um filme comercial feito por um diretor de filmes alternativos.

Em Cisne Negro um diretor de uma companhia de balé decidi refazer de forma visceral o famoso balé O Lago dos Cisnes. Desejando inovar em tudo, aposenta a primeira bailarina, dando lugar a Nina, uma linda e talentosa e bailarina, tão perfeccionista quanto insegura. Nina é ambiciosa em sua profissão e anela o papel principal do balé, a Rainha Cisne, que nesta montagem seria os dois cisnes, o branco, Odette, e o negro, Odile. Nina é perfeita para fazer o Cisne Branco, com sua timidez e encanto, mas o Cisne Negro, sendo seu oposto, é um grande desafio para ela. Por mais que tente, ela não consegue exalar a força sedutora e maliciosa que o diretor espera do Cisne Negro. Desde o começo do filme, o diretor mostra elementos que ajudam a entender como funciona a personalidade Nina. Já sabemos que ela é ambiciosa e perfeccionista, mas qual a origem disso? Ela é perfeita, então porque a insegurança? O mais provável é que ela tenha sofrido constante pressão por parte da mãe, uma mulher amarga, uma mãe zelosa, uma bailarina frustrada por te abandonado sua arte em prol da filha, uma leoa que ao mesmo tempo em que lambe a cria, morde-lhe um pouco, como vingança. Numa cena em que Nina puxa a pele das costas a mãe lhe diz “Você voltou a fazer isso?”, indicando mesmo que Nina já fazia isso antes. Nina que já devia ter problemas de personalidade, instigada pelo diretor e levada por sua própria sede de aprovação, começa a sofrer um doloroso processo mental, uma batalha psicológica, um jogo de espelhos físicos e imaginários. Nina não apenas vê coisas como ouve vozes e sons estranhos, sustos com objetos e alucinações sinistras; tudo em sua volta aludi aos cisnes, um detalhe em sua banheira, o toque do seu celular, as asas nas costas de Liy. O filme permite várias leituras, Lily funcionando ao mesmo tempo como elemento açulador para que Nina solte o cisne dentro de si, e funciona como um outro Cisne Negro, sempre à espreita do Cisne Branco, para tomar-lhe não o amor, mas o papel. Lily facilmente seduz Nina, uma moça cheia de recalques que não consegue resistir ante o sensual e o proibido da vida, revelados por Lily. À medida que Nina cede, vai revelando desejos, facetas insuspeitadas. Mas como são recalcados esses desejos, não deixam de ser tormentosos para Nina e ela luta o quanto pode para não trazer-los á tona; então ao mesmo tempo em que ela luta para conseguir fazer nascer o Cisne Negro, sem perceber ela também o combate. Essa terrível luta vai devastando-a física e mentalmente, e nem ela nem o público sabe mais o que é realidade ou fantasia; sua transa com Lily foi real? e o velho no metro, fez aqueles gestos? Não sabemos, mas sabemos que a grande rival de Nina é ela mesma, como lhe diz seu diretor, e a surpresa no final do filme já foi adivinhada desde cedo, o que nem por isso lhe tira a força. Sentimos muita pena de Nina durante todo o filme, pois sua cara raramente é de alegria, seu rosto mostra dor o tempo todo, pois ela só terá seu papel se se transformar em seu oposto, só viverá o Cisne Negro matando branco, ou seja, a si mesma, repetindo na sua vida real a história do balé. Então há vários cisnes negros na história. No final do filme, finalmente surge o Cisne Negro de Nina, belo, imponente, poderoso; pena que esse momento maravilhoso não dura mais do que 4 minutos. Confesso que a pouca duração da aparição do Cisne Negro me desgostou muito, pois passei todo o momento esperando por ela.

Já vimos dois exemplos, um real e outro ficcional, de como a arte pode afetar a personalidade do artista. O real foi com Vivien Leigh, quando fez a personagem Blanche DuBois, papel título da obra “Um Bonde Chamado Desejo”, de Tennessee Williams; a personagem era tão complexa e exigiu tanto da atriz que meses depois de concluídas as gravações do filme, Vivien continuava a tomar os banhos quentes de banheira, como Blache; o esforço lhe valeu o Oscar, mas quase acabou com ela. O exemplo ficcional vem de um dos maiores, senão o maior, musical de todos os tempos, “Os Sapatinhos Vermelhos”; na obra uma bailarina também se vê tiranizada por um exigente diretor e por sua própria paixão pela dança; o resultado não deixa de ser trágico.

A direção do Darren Aronofsky novamente é muito competente; ele narra a história do ponto de vista de Nina, tendo como auxílio uma câmera de mão que nunca abandona a personagem, sendo, junto com a edição, extremamente eficaz no final do filme, quando da dança o cisne negro; pela primeira vez a câmera não está na platéia, mas no palco e o resultado foi de tirar o fôlego. O diretor transforma seu filme num belo e sombrio conto de terror psicológico, usando elementos que já vimos com igual êxito em outros filmes; as cenas de mutilação que vimos em A Professora de Piano, a boneca quebrada que nos lembra O Que Terá Acontecido a Baby Jane?; a aflição de Repulsa ao Sexo. Sem falar na grande sacada de inverter a historia do balé; nele temos uma moça presa dentro de um cisne, aqui o cisne está preso dentro da moça e quer sair, terrível e esvoaçante.

A trilha sonora, calcada em Tchaikovski, foi a melhor do ano, claro, e só não concorreu ao Oscar por não ser original. A fotografia é ótima, deixando o ambiente sombrio ou vibrante na medida certa. O roteiro é bem construído e ousado em muitos momentos. Cisne Negro está indicado aos Oscar de melhor filme, direção, atriz, fotografia e edição.

O elenco é um grande trunfo. Todos estão muito bem, como a Barbara Hershey fazendo a mãe de Nina, a semelhança física é notável; Vincent Cassel como o diretor exigente e aproveitador; Mila Kunis como a sensual e divertida Lily; a nossa querida Winona Ryder como a ex-primeira bailarina Beth (achei engraçado a cena em que Nina devolve os pertences de Beth e esta lhe diz “Você roubou minhas coisas?”), não deixei de lembrar os atos de Winona nas lojas; Benjamin Millepied faz o bailarino David, e na vida real também é dançarino e casado com Natalie Portman. O grande destaque fica mesmo por conta de Natalie Portman, uma atriz que desde sua primeira aparição nas telas esbanja um talento que foi crescendo até nos surpreender em Closer. Aqui ela reina, e quando dança como o cisne negro, está soberba; sua fisionomia, seus gestos, sua respiração, seus sons inumanos e lascivos, tudo exala a força sedutora e maléfica de Odile. Acredito que Natalie carregou muito na dose de menina frágil durante todo o filme para que no final sua performance como Cisne Negro ficasse bem destacada. Natalie já ganhou o Globo de Ouro e é certo seu Oscar de melhor atriz, até porque a Academia gosta de premiar este tipo de trabalho, quando o ator faz esforços além do normal pelo personagem; Natalie, apesar de ter feito balé quando criança, treinou um ano para fazer o filme e se prejudicou fisicamente. O resultado final emociona não só pela verossimilhança, mas por vermos um belo trabalho de uma artista esforçada; se o ator é um artista, esta interpretação é uma obra-prima da Natalie.

Chiste...

2011-02-21T03:23:00.000-08:00

Jim Carrey parodiando Cisne Negro

Madea como o real Cisne Negro, rsrsrs...

Você não consegue 500 milhões de amigos sem fazer alguns inimigos

2011-01-26T22:48:00.000-08:00

O verdadeiro Mark Zuckerberg, tão esquisito quanto um X-Men

A Rede Social (The Social Network, 2010) mesmo contando a história do Facebook, do qual tenho uma conta, não é o tipo de filme que me deixaria empolgado num primeiro momento. O que torna o filme interessante, além das atuações, é forma como é contado pelo diretor David Fincher. Temos a constante impressão do sério e do fútil; sério por abordar questões como solidão, bullying virtual e amizade, fútil pelo modo de vida da nova geração, pelo alto preço pago por coisas sem valor algum. Também sério, quando mostra um jovem que de tão gênio quanto original, vive isolado em si mesmo, mesmo que rodeado de pessoas; Mark Zuckerberg aparece o tempo todo super concentrado em algo que escapa aos outros personagens e ao público; é como se ele no fundo não estivesse ali, mas muito distante, em lugares onde só sua lógica encontra veredas (no julgamento sua atenção é sempre cobrada); isso o torna um ser alheio, displicente, rancoroso e arrogante (a cena em que ele pergunta a uma moça “quem é você?” e quando ela lhe diz o nome ele fala “Sim, mas o que você faz?” mostra bem isso), mas ele tem essas características de fato ou seu jeito particularíssimo de ser nos dá essa impressão? A narrativa ágil e não linear do David Fincher, que não nos dá tempo de nos deter muito no personagem, e a ótima atuação do Jesse Eisenberg contribuem para as impressões que falei. Já na primeira e melhor cena do filme, em que uma simples conversa com a namorada (ótimo texto) torna-se uma discussão, já se tem o relevo da personalidade do Zuckerberg, muito nerd, muito esquisito, muito inteligente, ao ponto de parecer que vive no mundo da lua; alguém que inventa a maior rede social do mundo e não consegue manter nem o melhor amigo. Jesse Eisenberg mantem inalterados tom de voz e expressão fácil, e suas palavras são rápidas e ininterruptas; um belo trabalho deste jovem ator indicado ao Globo de Ouro e ao Oscar, que se parece muito com o Michael Cera de “Juno” e que lembramos mais pelo filme “Amaldiçoados”.

O bom elenco jovem é o trunfo do filme e conta com Andrew Garfield, que faz o melhor amigo de Zuckerberg, interpretado com alguma paixão, o que faz do Eduardo Saverin um jovem com personalidade oposta a do Zuckerberg; Armie Hammer faz os gêmeos Winklevoss e é impressionante como ator, diretor e recursos técnicos nos dão realmente irmãos gêmeos, em nenhum momento nos passa pela cabeça que seja apenas um ator; Max Minghella está bem como o ganancioso sócio dos gêmeos Winklevoss; Justin Timberlake, que cada vez mais mostra gosto pelo cinema, também faz um bom trabalho como Sean Parker, co-criado do Napster (que no filme se apresenta como o criador isolado) e isso não me surpreende, pois as pessoas esquecem que desde cedo Justin atua não como ator de carreira, mas ainda assim atua, em séries, Clube do Mickey e participações especiais.

Não sei o motivo de chamarem o filme de épico, não é para tanto. É um filme interessante, favorito nos prêmios com o O Discurso do Rei, até por falta de opção, num ano fraco. A trilha sonora tem esse “q” de estranheza que Zuckerberg nos passa e funciona muito bem. O vencedor dos Globos de Ouro de melhor filme de drama, direção e roteiro, foi indicado a oito Oscars: filme, direção, ator, roteiro adaptado, fotografia, edição, mixagem de som e trilha sonora. É uma obra que fala mais de carência e solidão que de negócios e redes sociais. O final do filme ilustra bem isso quando Zuckerberg add em sua conta no Facebokk uma das pessoas ignoradas por ele como ser humano; ele fica atualizando sem parar a página, ansioso que ela lhe acc. Se há alguma esperança para uma mudança de atitude em Zuckerberg, esse final já é o começo.

Sonhar é acordar-se para dentro

2011-01-23T00:07:00.000-08:00

O mito de Dédalo, o genial arquiteto, e de Ícaro, seu filho, nos da não poucas lições éticas e lições sábias sobre limites, da arte, do homem, da liberdade. Não cabe aqui contar toda a rica trajetória do mito, mas certa passagem relacionada ao Labirinto do Minotauro. Sob o governo de Minos, Dédalo é obrigado a construir, a meu ver sua segunda mais engenhosa obra, o Labirinto de Cnossos, que encerra o Minotauro, filho de Minos. É o engenho da arte contendo a fúria. Passado um tempo, pai e filho são jogados no Labirinto; o objeto de arte, o seu engenho, aprisiona o artista, quando lhe escapa o objetivo central da arte que é a expressão. Quando a arte não é inspirada ela é escrava das exigências e o artista é escravo de sua arte dominada. O Labirinto de Cnossos não tinha teto que o encobrisse; quem nele preso se achava tinha o céu estrelado por consolo; uma prisão que se abria ao céu, ou seja, ao seu contrário, se tomarmos o céu como metáfora de liberdade. Dédalo tece então seu maior engenho, asas; não só para si, mas também para seu filho. Asas que são a própria liberdade confeccionada. A arte que escraviza também liberta, quando o objetivo é sublime. O vôo simboliza o infinito e o misterioso desvendados pela imaginação humana e o misterioso é um labirinto, amedronta e aprisiona até que perde seu apanágio de enigma. Dédalo era homem experimentado, sofreu em si a tragédia de querer deixar de ser limitado; uma vez liberto, só queria céu, só queira perfumes e um abraço de sua carne tenra. Mas Ícaro, pobre criatura deslumbrada, não seguiu do pai os conselhos sábios, não teme desvendar o infinito e com sede do belo, afoga-se com a beleza dourada do Sol, astro caloroso que derreteu a cera de suas asas. Tanto o pai o aconselhou que não se se aproximasse do Sol, que voasse em média altura; que não buscasse muito longe o significado das coisas.

No filme A Origem (Inception, 2010), gosto de identificar Dédalo e Ícaro com Miles e Cobb, personagens de Michael Caine e Leonardo DiCaprio. Só que o velho professor parece não ter recomendado ao Cobb que não fosse muito além, não apenas do seu limite, mas do limite de seu próximo. Quando Cobb ultrapassa limites a tragédia ocorre, uma tragédia muito pessoal onde a catarse não traz refrigérios, visto que é ilusória, é um sonho. A Ariadne mitológica não é arquiteta; conhece o Labirinto de ter sido criada ao redor dele, é filha de Minos; talvez Dédalo uma vez tenha lhe revelado um segredo: deve-se entrar no Labirinto com um novelo e desenrolá-lo sempre, tendo por saída o seguir o novelo até seu princípio. A Ariadne mitológica trai pai e reino entregando o segredo ao belo Teseu; facilmente deixou-se seduzir, assim como facilmente a Ariadne de A Origem se deixa seduzir pelo desconhecido, que de certa forma também é belo.

A Origem é um filme com um roteiro inteligente, mas não brilhante. Desde o começo do filme as lacunas são patentes. Como se domam os sonhos? Como os ladrões entram nos sonhos? Quando a vã rola e um nível perde a gravidade, por que os outros níveis também não perdem? Por que a música é um chute? Quando ouvem a música estão conscientes para saberem que é hora de voltar? E os totens? Não se pode facilmente sonhar que ele para de girar ou que gira sem parar? Então como eles podem definir o que é sonho e realidade? Pessoas que tem o poder de manipular sonhos, não podem facilmente conseguir um visto na alfândega? Por que o Cobb não pensou nisso? O filme tenta ser muito psicológico com várias alusões a termos da psicanálise e com objetos que os personagens chamam de totem, que lembra o livro Totem e Tabu de Freud, mas que não tem nada a ver com o livro (a não ser que se queira fazer um paralelo entre os totens do filme com o totemismo do livro, que diz respeito a um tipo de sistema social onde as relações são marcadas pelo respeito, normas e costumes do clã, sendo o tabu o elemento que protege o totem). O filme tem um enredo intricado, palmas para seu autor, o inteligente diretor Christopher Nolan, que nos deu um filme que está sendo elogiado por não trazer mastigadas informações que explicariam o filme. Mas trazer elementos altamente específicos e não explicá-los bem não me parece boa coisa; falta um certo didatismo no filme, mas usar didatismo em filmes com brilho é para poucos, como Tarantino. Se falo assim, logo dirão “Ele sente falta de didatismo por não entender o filme”. Errado. Entendi sim, até onde o filme usa a lógica; quando o diretor foge da lógica, para que seu filme vire um enigma, eu não entendo mesmo e garanto que não estou sozinho nesse sentido, pois muitos dos admiradores ferrenhos do filme, mormente os mais jovens, exatamente por não entenderem o acham inteligentíssimo. Para eles uso uma frase do filme “Voltem para a realidade”.

Christopher Nolan é um diretor admirado e conhecido por filmes muito inteligentes como seu cultuado Amnésia, Insônia, O Grande Truque e até o Último Batman, que tinha uma inteligência anárquica. Por ser um diretor tão cerebral, até no modo de filmar, suas obras são demasiadamente concretas, objetivas, sólidas, e isso elimina todo o elemento onírico, que devia ter sido a coisa mais forte em todo o filme. Onde o onírico? Onde o tortuoso dos sonhos? Não se vê no filme nem uma ponta do elemento feérico visto com Peter Jackson em “Almas Gêmeas”, com Akira Kurosawa em “Sonhos”, com David Lynch em toda sua obra, e até em filmes mais recentes como “Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças”. Mas não devo ser tão severo com Nolan esperando que ele em tão pouco tempo atinja o nível desses consagrados diretores. Mas os jovens adoradores de A Origem precisam ver mais filmes consagrados, pois é fácil dizer que um filme é o mais sensacional da década quando se tem como parâmetro Avatar e coisas do tipo. Até Matrix conseguiu dar mais nós no cérebro que A Origem.

O Próspero de “A Tempestade” de Shakespeare, já disse que “Somos feitos da matéria dos sonhos; nossa vida pequenina é cercada pelo sono”. Esse entendimento que temos dos sonhos não é visto no filme. Sonhos são imprevisíveis, são nebulosos, trazem acontecimentos que não existem no mundo vígil, como mudanças repentinas de tempo e lugar, idade, pessoas mortas com vivas, seres e objetos fantásticos, inexistentes; Segundo Jung, nos sonhos acontece até mesmo a mudança da própria identidade, ou então não há identidade alguma, apenas acontecimentos sendo observados. Isso foi o que senti falta no filme, não falta de estrutura (pois os fãs do filme usam como desculpa da omissão do elemento onírico a figura do arquiteto), mas da própria substância de que são feitos os sonhos. Não adianta um trem invadir o trânsito para caracterizar um sonho, pois esse trem não tem substância de sonho. Por falar na figura do arquiteto, lembro de uma frase de Friedrich Nietzsche que diz “Nada lhe pertence mais que seus sonhos”; não acredito que um arquiteto de sonhos possa forjar algo tão intrínseco do indivíduo. Às vezes, quando estamos sonhando, tudo é tão inverossímil que percebemos que aquilo não é uma realidade, mas não temos domínio sobre nós mesmos nessa hora para nos aproveitar do momento e manipular nosso próprio sonho. Sono, Morte e Esquecimento são irmãos, a negra Noite os gerou, assim como toda a raça dos Sonhos. O terreno é obscuro demais para ser percorrido. Acha mais quem se perde. Mas o que estou fazendo? Estou cometendo o mesmo erro dos fãs do filme, que é levar a sério conceitos de um filme que é ficção, entretenimento. Talvez Nolan tenha aberto mão do elemento onírico por achar difícil confundir o público se o usasse, pois se houvesse o onírico sempre presente, o público saberia de imediato o que era sonho e o que era realidade. Se assim foi, foi uma saída compreensível, mas não plausível.

Bastidores

Nolan dirigindo

Voltando ao enredo do filme, o que há de realmente muito forte e psicológico é a relação de Cobb com Mal, sua falecida esposa. Aqui o filme lembra muito A Ilha do Medo, onde DiCaprio faz uma variação mais tenaz do seu personagem em A origem. Cobb vive em dois mundos, um real e outro ilusório, sendo que o ilusório para ele é mais real do que a própria realidade; é para lá que ele está sempre indo em busca de absolvição. Cobb é seu próprio paciente e quando se aprofunda nos sonhos está querendo resolver seus traumas, está em busca de alta. Sua fraqueza se revela logo no começo do filme quando Mal aparece para estragar seus planos. Ela aparece nos momentos em que ele está mais tenso, sabotando-o. Porém Mal já morreu, então quem sabota Cobb não é ela, mas seu próprio subconsciente; até o totem que usa não é dele, era da esposa, o que dá uma grande complexidade ao personagem. Uma vez presos no limbo, Mal e Cobb adotam o sonho como sua realidade, pois o sonho aparece como sinônimo de felicidade já que o mundo perfeito que sempre sonharam é possível. O mundo que criam é um mundo idealizado, onde tudo que é falso passa por real, pois a perfeição só pode existir assim, numa fantasia e o resultado disso com o tempo é que Mal enlouquece, pois o ser humano necessita do real. Mal necessita do real, mas prefere o sonho, como uma dolorosa Blanche du Bois. Cobb sente toda a amargura de ter sido o responsável pela tragédia do casal; senti a culpa por ter ido longe demais. Freud disse que o sonho é a tentativa de satisfazer um desejo, por isso Cobb está sempre em busca da mulher no seu sonho, para extirpar de si um mal que o devora. Mas como acontece em Ilha do Medo, a realidade, mesmo resolvida, pode ser muito dolorosa; quem sabe Cobb ainda não tenha resolvido a questão por preferir a bela mentira do sonho? Cervantes já afirmou que o sonho é o alívio das misérias que nós temos quando estamos acordados. E Nietzsche falou que a mordida da consciência é indecente. Mal é muito bem interpretada por Marion Cotillard, atriz que ficou conhecida por ter feito Edith Piaf no cinema; talvez como uma homenagem à atriz o diretor tenha usado a música “Non, Je Ne Regrette Rien”, imortalizada por Piaf, como chute para o despertar do sono.

Figuras esquemáticas para entender os níveis de realidade e de sonhos:

Agora o final. O final (um pouco maçante) foi feito para enganar os incautos e foi uma tacada de mestre de Nolan; foi o final do filme que mais gerou discussões e voltas do público aos cinemas para rever, meditar e tirar suas conclusões do aconteceu com Cobb. Cobb voltou dos sonhos ou não? Esta pergunta está longe de ter uma resposta unânime. Nesse sentido, A Origem deverá ter o mesmo destino de Blade Runner, a perene incerteza. Como não ter dúvida sempre se os filósofos dizem que a certeza não está disponível? Como Cobb pode ter certeza de estar ou não acordado, se até Jacques Lacan indagou certa vez “Como ter certeza de que não somos impostores”? No momento final do filme, Cobb gira o pião para certificar-se se está sonhando ou não e o pião gira, o que caracteriza o sonho, mas depois oscila e dá a impressão de que vai cair, o que determina a realidade, então cai o pano.

Posso dizer que ele não voltou do sonho, pois todos os personagens estão olhando para ele quando desce do avião, e olham com sorrisos nos olhos; os filhos mantem a mesma posição, roupas semelhantes, até a luz é igual. E ainda podemos usar as palavras daquele velho no porão Yusuf (Yusuf é o nome arábico do José da Bíblia, que era intérprete de sonhos) “O sonho deles se tronou realidade”.

Posso dizer que ele voltou, pois como observou um amigo especialista em semiótica (que observou até que quando em sonho Cobb está de aliança, o que não ocorre na realidade), as atitudes de Cobb denunciam a realidade; ele está o tempo todo inseguro e em dúvida sobre tudo, sobre ele mesmo, sobre os outros personagens e fica apreensivo até o ultimo momento, na expectativa de ser ou não aprovado seu desembarque. Ora, sonhos são perfeitos, se era sonho ele devia estar o mais confiante dos homens; porque a dúvida?

Descartes dizia que não poucas vezes acreditou e teve absoluta certeza de estar fazendo algo e de repente despertava e via que tudo foi sonho. Sonhos do cotidiano, lendo, escrevendo, e na verdade estava dormindo. Então a dúvida de Cobb esteve nele, pois indagou dele mesmo como ter certeza de não estar sonhando neste exato momento. Descartes imaginou que nunca teria certeza se estava sonhando ou desperto, quando chegou a este pensamento: “Suponha que todos os erros e ilusões de minha parte sejam devidos ao fato de existir, sem que eu saiba, um espírito superior cujo único objetivo é iludir-me, e que pode exercer poder sobre-humano sobre mim; pode me fazer dormir e então sonhar nitidamente que estou desperto, ou fazer tudo o que olho parecer outra coisa, ou fazer-me acreditar que dois e dois são cinco (a inserção). Existe alguma coisa acerca da qual mesmo um espírito maligno como esse seria incapaz de me iludir? Sim. Os lampejos de minha consciência são o que são. Posso sempre supor que estou sentado junto à lareira quando de fato não há lareira alguma e estou na cama dormindo, todavia este supor que estou sentado ao lado da lareira é um fato inescapável. Assim, a única coisa neste e em qualquer outro caso da qual posso estar inabalavelmente seguro é de que estou tendo as experiências que estou tendo. E a partir daí há coisas que posso inferir com absoluta certeza. Primeiro de tudo, significa que sei que sou algum tipo de ser existente. Posso não conhecer minha própria natureza, mas que eu existo é fato seguro; sei com absoluta certeza ainda que sou um ser que tem experiências conscientes, as experiências conscientes particulares que tenho. Portanto: Cogito ergo sum ‘Penso, então sou’.” Assim, Hegel também afirma “O real é o racional, e o racional é o real”. E, segundo Charles Sanders Peirce, “O real, portanto, é aquilo que mais cedo ou mais tarde, resultaria em informação e raciocínio”.

Então num sonho ou não, Cobb está numa realidade, a de sua consciência. Mario Quintana disse que “Sonhar é acordar-se para dentro”.

Os elementos técnicos do filme são excelentes. A trilha sonora apesar de não onírica funciona bem ao dar um tom de tensão e suspense ao filme; os efeitos especiais são caprichadíssimos, direção de arte e fotografia idem, mas a edição é que está fantástica, e quando aliada aos efeitos especiais, dá um resultado deslumbrante, como a famosa cena da briga no quarto sem gravidade, para mim a melhor seqüência do filme.

Parabenizo a coragem e o ousio do Christopher Nolan de ter posto tantos elementos cerebrais em um filme comercial, isso mostra o prestígio que ele tem com os estúdios. A Origem é ótimo, mas está longe de ser uma obra-prima; Memento (Amnésia) ainda é, para mim, seu filme mais cerebral e original.

Obs.: Para ver melhor as imagens basta clicar nelas.

A Estranha Passageira

2010-12-22T21:41:00.000-08:00

A Estranha Passageira (Now, Voyager, 1942) é um filme muito especial da Bette Davis num papel romântico, fugindo um pouco das mulheres terríveis que ela já fez. O melodrama conta a história de Charlotte Vale, uma solteirona retraída que foge da tirania da mãe (uma ótima Gladys Cooper, indicada ao Oscar de coadjuvante), para uma viagem ao rumo à América do Sul (o Rio de janeiro incluso) e ao amor com um homem casado, Jerry. Jerry tem uma filha retraída, na qual Charlotte enxerga um pouco de si mesma no recente passado. Antes disso tudo, Charlotte passa por um tratamento psicológico que lhe transforma física e emocionalmente. Este amor não encontra certezas sobre sua duração, então deverá ser aproveitado intensamente enquanto dá. O filme tem momentos inesquecíveis, como a cena em que o ator Paul Henreid (Jerry) improvisa e acende dois cigarros ao mesmo tempo, oferecendo um a Charlotte. O jeito de a personagem Charlotte fumar, foi por anos imitado por mulheres e travestis nos EUA. A elogiada trilha sonora, vencedora do Oscar, é um primor. E Bette Davis novamente é indicada ao Oscar num desempenho encantador. Frases de Charlotte, que entraram para a história do cinema: “Oh, Jerry, não vamos pedir a lua. Temos as estrelas” e “Te beijaria agora, mas não quero estragar minha maquilagem”.

Baby Jane

2010-12-16T01:11:00.000-08:00

Versão de 1991 para o clássico filme de 1962 O Que Terá Acontecido a Baby Jane? (What Ever Happened to Baby Jane?). A história é seguida sem modificações e conta com ótimas atuações, já que se trata de Vanessa e Lynn Redgrave. As duas são irmãs na vida real e fazem um bom trabalho neste pequeno filme feito para a TV.

Então esse tempo todo poderíamos ter sido amigas?

2010-12-16T01:03:00.000-08:00

Bastidores

Bastidores com o presidente da Warner

Já há muito tempo considerava Bette Davis a maior atriz de todos os tempos quando vi O Que Terá Acontecido a Baby Jane? (What Ever Happened to Baby Jane? 1962). Claro que mais uma vez fiquei deslumbrado. Pra mim, que sou ator, ver uma atuação tão soberba é um refrigério para espírito. O trabalho de Joan Crawford também é magnífico, mas Davis é um assombro. Na vida real eram duas mulheres fortes, difíceis e eram rivais também, informação que dá um gostinho a mais vendo o filme. Essa rivalidade gerou vários comentários e histórias cabeludas não comprovadas, como, por exemplo, algumas das bofetadas de Davis machucarem realmente a Crawford. Um fato que ocorreu foi Davis mandar instalar uma máquina da coca-cola defronte ao trailer de Crawford (o marido de Crawford era dono da Pepsi). Sem contar as frases de Davis sobre Crawford; a mais conhecida foi “Se Joan Crawford estivesse em chamas, eu mijaria nela para apagar o fogo”. O filme tradicionalmente classificado como terror psicológico, conta a história de duas irmãs circundadas pela inveja, quando crianças, Blanche por Jane, e quando adultas, Jane por Blanche. Robert Aldrich (que tinha uma queda por este tipo de história) fez um filme profundamente psicológico (desde a bela sacada, ainda nos créditos, da boneca Baby Jane quebrada na cabeça) mostrando o que este sentimento, a inveja, pode fazer com as pessoas, corroendo-as a vida toda como um cancro que mata a alma. Outro problema das duas irmãs é a falta de comunicação (há uma grande virada no final, que nos dá uma lição sobre a importância da comunicação nas relações humanas;). Quando criança, a linda e talentosa Jane era a estrela da família e a princesinha do papai enquanto a pobre Blanche ficava sempre de lado, não sem que a mãe percebesse e é interessante como a mãe (também desprezada) das meninas percebe desde cedo no que tanto ressentimento acumulado vai dar. Jane adulta vira dama do teatro e Blanche adulta vira estrela do cinema numa época de reinado de Hollywood. Jane não consegue brilhar nas telas como brilha nos palcos e assim os papéis se trocam com Jane ficando na sombra de Blanche. Até que surge o misterioso acidente automobilístico que põe Blache numa cadeira de rodas. Outro pulo no tempo e agora vemos as duas irmãs idosas, Baby Jane Hudson cuidado de uma Blanche totalmente dependente dela. Blanche vive em estado de terror, sempre alerta à próxima maldade de Baby Jane. O estado de terror é crescente e ficamos sem fôlego temendo pela próxima maldade que Baby Jane fará com irmã. O fato de Blanche está indefesa na cadeira de rodas aumenta em muito nossa compaixão por ela. Sentimos de maneira poderosa que as duas se odeiam exatamente porque não podem se amar. E de que sentir mais pena? Da dor física ou da dor emocional? Um duelo de interpretações magníficas em que Davis venceu, sendo pela décima vez indicada ao Oscar. A sua Baby Jane é dos maiores personagens do cinema e responsável por cenas marcantes; numa delas Baby Jane serve o jantar de Blanche, quando esta levanta a tampa da bandeja encontra uma ratazana morta e grita horrorizada; Baby Jane está atrás da porta só esperando, quando houve o grito começa a rir terrivelmente. Baby Jane se perdeu num passado distante e não quer sair dele; ela ainda se veste e se pinta como uma bonequinha. Ficamos consternados e com pena dela cantando como se ainda fosse criança I Writen a Letter to Daddy. Uma cena que nunca mais saiu da minha cabeça: Depois de cantar como criança, ainda em devaneios ela se depara com um espelho; ela vê a verdade; está velha e grotesca; não aceitando essa realidade ela começa a riscar o rosto com um lápis preto, como se destruisse sua própria imagem. Psicologia pura numa cena merecedora de Oscar. Amo demais esse filme e amo demais Bette Davis. Indicado aos Oscars de melhor atriz, ator coadjuvante, fotografia e som, venceu o de figurino.

Frases marcantes:

“Você não era feia. Eu a fiz assim.”

“Então esse tempo todo poderíamos ter sido amigas?”

Para quem quiser saber os detalhes das brigas entre Davis e Crawford, segue o link:

http://desvendandoestrelas.blogspot.com/2010/07/xi-bette-davis-as-brigas-entre-bette-e.html

Duas Mulheres

2010-11-29T23:15:00.000-08:00

Sophia com De Sica

Feliz com seu Oscar

Na Roma de 1943, quando começa o bombardeio por parte dos Aliados, Cesira, uma jovem viúva e sua filha, deixam sua pequena loja em busca de um lugar mais seguro no distante vilarejo onde nasceu. A difícil viagem é feita a pé e dura dois dias. Um tempo depois, tropas americanas se dirigem à Roma em tanques e com muitas armas e Cesira pensa que as coisas melhoraram decidindo voltar. Outra caminhada difícil e a pé. Em certo momento, numa sequência pesada, elas se abrigam à noite nas ruínas de uma igreja e são atacadas por vários soldados marroquinos que as estupram. Continuam como podem sua volta, quando sabem da notícia que Michele foi morto pelos alemães; Cesira fica desolada. O filme Duas Mulheres (La Ciociara, 1960) pertence ao período neo-realista do cinema italiano, foi baseado no livro Alberto Moraiva e tem direção do Vittorio De Sica. Trata dos infortúnios da guerra na vida dos civis. Sophia Loren, uma das mulheres mais linda do seu tempo e ainda hoje bela, tem um desempenho formidável premiado com o Oscar (a primeira atriz de língua não inglesa a ganhar o prêmio) e o Globo de Ouro.

Quanto Mais Quente Melhor

2010-11-25T20:26:00.000-08:00

Visões e ângulos ousados

Bastidores

A cena da famosa frase...

Sempre ouvi dizer que Quanto Mais Quente Melhor (Some Like it Hot, 1959) era a maior comédia do cinema. Vi o filme recentemente e discordo de que seja a maior comédia de todas (talvez a minha preferida seja outra, também com Marilyn), mas não nego que é uma das maiores. O filme marcou época e entrou para a história do cinema mais uma vez pelas qualidades do seu realizador que mais de uma vez já afirmei, foi um dos maiores e mais modernos de todos os tempos, modernidade não só de pela qualidade técnica, mas pelos temas e intenções. O filme, em proposital preto & branco, começa com uma virtuosa cena de perseguição e segue sempre em crescente como deliciosa comédia. Tony Curtis, ainda galã, está ótimo e travestido de Josephine faz memoráveis cenas com Marilyn Monroe. Marilyn está mais diva do que nunca, ícone absoluto da sensualidade feminina nas telas, nunca a vi tão bela, tão irresistível com sua Sugar Kane, nome apropriadíssimo; a cena do primeiro show no hotel, com aquele vestido que lhe revela os incríveis seios, é hipnotizante. E o que falar de Jack Lemmon? Claro que são dele as cenas mais hilariantes como Daphne, como a da “festinha” no navio em que as moças começam um ataque de cócegas e ele começa a berrar por socorro. Sobre as cenas do navio impressiona como Billy Wilde foi provocador e isso em 1959, época em que a censura ainda dominava os estúdios; as cenas em que aparecem cardumes de pernas femininas, lindas sereias coristas, são mais que um ousio, são um afago e um beliscão no público; Wilde filma a malícia disfarçando-a de inocência, e assim, consegue driblar censores atentos, e encantar platéias atentas ou não. Voltando à personagem de Lemmon, ele rouba muitas cenas quando longe de Marilyn, como a cena em que dança tango ou o final do filme com as famosíssimas frases sua e do impagável Joe E. Brown como o milionário assanhado Osgood, apaixonado de Daphne. Fiquei com uma pulga atrás da orelha com a relação dos dois. Teria Wilde aprontado uma conosco?

O filme venceu o Oscar de melhor figurino, sendo indicado para direção, ator (Jack Lemmon), direção de arte, fotografia e roteiro adaptado. Ganhou os Globos de Ouro de filme de comédia ou musical, ator de comédia ou musical (Lemmon) e atriz para a querida Marilyn.

Tropas de Elite 1 e 2

2010-11-02T21:39:00.000-07:00

Bem, confesso que nunca gostei de Tropa de Elite, desde os primeiros minutos que “ouvi” umas falas do filme. Meu cunhado comprou o DVD pirata do filme e todos acharam que era um filme tipo meio ficção meio documentário, pois mostrava os “bastidores” do BOPE etc. Eu odiei o texto que vinha da sala (não gosto desse tipo de filme). Depois comecei a ver o filme por conta dos comentários e por causa das piadas, eu sou estudante universitário, então eu mesmo fiz várias piadas com aquela cena em que eles dão na cara do rapaz que diz que é estudante; eu dizia que aonde chegasse ia dizer que era estudante só pra apanhar, kkk. Depois de um bom tempo o filme ficou famoso e entrou nos cinemas, sendo um grande sucesso, mas sempre o achei medíocre em qualidade e intenção, e critiquei esse endeusamento do BOPE, isso sim é ficção de primeira (tomara que o BOPE não leia este blog). Este segundo filme chega com grande preocupação com a pirataria que fez a fama do primeiro. Foi uma surpresa. O filme é bom, muito superior ao primeiro e não porque diminuiu na truculência, mas porque capricharam no roteiro. É um roteiro à guisa do cinema americano (não que isso seja sinal de qualidade), bem amarrado e com desfecho interessante. Uns fatos e teorias são bem bobos, como aquela conta que o professor de história faz no começo e o fim do tráfico; aquela conta é feita desde que o mundo é mundo e só pode ser observada na teoria, e o tráfico (vício) acabar é uma utopia, até na ficção soa no mínimo ingênuo. Gostei da câmera voando (travelling) sobre Brasília no final da película, indicando a fonte do MAL. Enfim, gostei do filme, tem ação discreta, bom roteiro, edição ágil, direção mediana e elenco esforçado. Sobre a violência, falei que era menos truculento, mas não menos violento. A violência não vem só de imagens de corpos levando tiros e sangue na tela, mas sim da força de um texto ou do contexto de uma imagem; a cena do bandido arrancando os dentes de um crânio para dificultar o reconhecimento, me pareceu, pela banalidade da ação, muito mais violenta que qualquer cena de tiroteio do primeiro filme; e a cena ainda brinca com o famoso trecho do Hamlet. O filme grita com os traficantes, com os políticos, com o sistema e bandidos em geral, os acusa francamente, e sabe qual é o grande absurdo de tudo? Os traficantes, políticos e bandidos em geral, vêem o filme, são fãs, e até torcem pelos mocinhos; ignoram que estão sendo retratados na tela, não acham que é com eles, talvez por não acharem que fazem algo errado na vida real ou então por um cinismo absoluto. Isso acontece muito com as músicas do grupo Racionais, os fãs do grupo, os que mais cantam as músicas, são justamente os acusados nas letras, eles não se dão conta disso, pelo contrário, acham que é um tipo de louvor a tudo que fazem. Há um humor sempre bem-vindo, aliviando a barra pesada, e este humor se manifesta principalmente no uso de palavrões e gírias: “pombagirando”, “quer me foder, me beija”, são exemplos. Quanto ao didatismo do filme, que acontece com a narração do Nascimento, este é um filme para o povão, então eles usam o didatismo aprendido no cinema americano já visando ou imaginando o tipo de público que terão. O didatismo é usado com brilhantismo nos filmes do Tarantino, e se outros realizadores não conseguem alcançar o mesmo brilho, pelo menos houve uma fagulha de boa intenção. Bem, acho que o filme deve ser visto, pois rende bons debates e isso é raro no cinema de hoje. Ah... ia esquecendo: a morte do Matias foi um deleite para mim.

Tudo sobre Eve

2010-10-10T22:56:00.000-07:00

Bette Davis é famosa, sobretudo por suas grandes vilãs e este filme contribuiu para aumentar essa sua fama entre o público brasileiro desavisado, por causa do título do filme, A Malvada (1950); já que ela é a estrela do filme, pensavam que a malvada da história era ela. O título “A Malvada” já está gravado em nossas mentes e nem nos ressentimos dele; mas vamos concordar que o título original All About Eve “Tudo Sobre Eve” é maravilhoso. O título sugere um dossiê e é isso que veremos na tela. O filme começa mostrando a elite do teatro reunida em Nova York, para uma importante cerimônia de premiação do teatro. Estão presentes Margo Channing, uma importante atriz da área e Eve Harrington, a triz mais jovem que ganhará o prêmio. Karen, amiga de Margo e esposa do dramaturgo Lloyd Richards, é que relembra, através de flashbacks, tudo sobre Eve; a sua escalada rumo ao estrelato através da aproximação de Margo, como uma fervorosa fã. Eve não faltava a nenhuma apresentação de Margo. Uma noite, depois de mais uma apresentação, Karen pede a Margo que conheça uma grande fã sua. Eve, um poço de bondade e devoção, conquista Margo e vira sua secretaria particular. Nem todos caíram na conversa de Eve, Birdie, a acídula camareira de Margo, percebe algo de errado na moça e tenta alertar a patroa. Sempre tramando, Eve consegue, através de Karen, virar substituta de Margo no teatro, e um dia, quando Margo perde o trem, Eve se apresenta em seu lugar. Os jornais noticiaram a grande estréia de Eve nos palcos e esta dá entrevista criticando atrizes mais velhas que insistem em atuar em papéis que não estão de acordo com sua idade. Margo, cuja simpatia por Eve já vinha a algum tempo se tornando em hostilidade, fica mais irritada do que nunca. A cena da festa, em que Margo está soltando faíscas e ironias por tudo que é lado é talvez a mais famosa do filme. Suas falas, a maioria em relação à idade de Eve, são deliciosas. É nessa festa que aparece, em uma de suas primeiras aparições na tela, fazendo numa ponta, a figura de Marilyn Monroe, que se tornaria o maior ícone sexual do cinema. A inescrupulosa Eve continua em frente com seus planos, agora querendo tomar Lloyd, o marido de Karen, para que escreva peças onde o papel principal seja dela. O crítico teatral, Addison DeWitt, querendo Eve para si, investiga seu passado e descobre que a moça tem muito a esconder. Ele a chantageia e ela tem que ceder, tornando-se vítima do seu próprio veneno. Voltamos à cerimônia de premiação. Ela vence. O clima de amarga vitória é maravilhoso. Margo, magnânima a cumprimenta. Quando volta ao seu apartamento, Eve encontra uma bela e jovem adolescente chamada Phoebe, presidente de seu fã-clube... Filmes sobre os bastidores da fama sempre me atraem muito. A Malvada é, com certeza, um dos maiores filmes já feitos. Direção impecável do grande Joseph L. Mankiewicz (responsável também pelo roteiro); o elenco é irrepreensível: Anne Baxter, Gary Merrill, George Sanders, Hugh Marlowe, Celeste Holm e Thelma Ritter; Bette Davis mítica (melhor atriz em Cannes). Indicado a 14 Oscars: filme, direção, atriz (dois, para Bette Davis e Anne Baxter), atriz coadjuvante (2, para Celeste Holm e Thelma Ritter), ator coadjuvante, roteiro adaptado, direção de arte, fotografia, edição, som, trilha sonora e figurino; venceu: filme, direção, ator coadjuvante, roteiro adaptado, som e figurino.

Obs.: Cliquem nas fotos, estão com uma qualidade incrível.

A razão escrava da paixão

2010-10-10T12:12:00.000-07:00

O filme Escravos do Desejo (Of Human Bondage, 1936) também é conhecido pelo título Servidão Humana, que é a tradução mais correta do título original do livro de William Somerset Maugham (não confundir com A Condição Humana, livro de André Malraux). O livro, além desta adaptação, teve outras duas, uma 1946 e outra em 1964. Um homem bom, Philip Carey (Leslie Howard, ótimo), se submete aos caprichos de uma garçonete amoral. E nessa servidão, ele perde quase tudo na vida, sem nunca ser verdadeiramente retribuído por ela. E quem poderá julgá-lo ou criticá-lo? Quem já não esteve preso nestes laços ilusórios do amor, os mais difíceis de romper? O filme foi moderno para a época ao tratar deste tema de maneira muito simples e realista. Apesar de ter feito outros filmes antes, esta é considerada a verdadeira estréia da Bette Davis no cinema. Ela obteve sua primeira das dez indicações ao Oscar. Bette Davis tem um recorde ainda não igualado de ter sido indicada por quatro anos consecutivos. Mas a indicação por Escravos do Desejo não veio fácil. Ela não foi contada na lista de indicadas daquele ano (trama da Warner). Mas como toda a imprensa e o meio cinematográfico acharam um absurdo, seu nome foi inserido no outro ano (coisa semelhante aconteceu com o filme Cidade de Deus). Uma crítica chegou a dizer na época, que aquela fora a melhor interpretação feminina jamais vista no cinema até então. A cena em que depois de despreza por Philip, Mildred enfurecida, atira-lhe na cara uma enxurrada de ofensas, é arrepiante. Não deixem de conferir.

Jezebel

2010-10-08T22:23:00.000-07:00

Na Nova Orleans de 1852, Julie Marsden uma jovem e impetuosa aristocrata escandaliza a sociedade, não seguindo as convenções sociais de seu tempo. Isso afasta seu noivo, que viaja para Filadélfia, retornando depois de uns anos, já casado. Dominada pelo orgulho ofendido, pelo ciúme e pela vingança, ela começa um caminho autodestrutivo, atingindo as pessoas em sua volta e a si mesma. Uma epidemia de febre amarela lhe dá chances de fazer o bem e se redimir. O título do filme é perfeito em sua referência. Ótimo filme de cores sulistas dirigido por William Wyler, com grande atuação de Bette Davis, que lhe valeu o Oscar. Oscar também de atriz coadjuvante para Fay Bainter e indicado para filme, fotografia e trilha sonora.

Ninguém dá as costas a uma estrela!

2010-09-19T01:40:00.000-07:00

Hollywood é uma selva repleta de animais antropófagos. Animais desleais, famintos e insaciáveis e que, no entanto, são capazes de fazer magia nas telas, onde passam de animais ferozes a deuses belos e majestosos, e igualmente ferozes, insaciáveis. A sagacidade e ousadia de Billy Wilde foram capazes de retratar fielmente esta selva olímpica, este Olimpo fero. Outros filmes também tratam dos bastidores da indústria, como Cantando na Chuva (Singin' in the Rain, 1952) ou A Malvada (All About Eve, 1950), que especificou a selva do teatro, mas nenhum mostra esses bastidores com argúcia tão acídula quanto Crepúsculo dos Deuses (Sunset Boulevard, 1950). Tanto o título original quanto o brasileiro são belos e felizes em significado. A história surpreende já no começo, aonde Gillis, já morto, vai narrando os acontecimentos em flashbacks. Ele foi um roteirista, mais especializado em argumentos, que sem idéias frutíferas e perseguido por credores, acaba indo atrás de Norma Desmond, estrela mor do cinema mudo e que agora vive em ostracismo, olvidada por profissionais da área e fãs. Norma sonha com uma volta em grande estilo, num filme do grande diretor Cecil B. DeMille, e tudo que Gilles tem a fazer é iludir-lhe com essa volta ao estrelato; enquanto isso ele torna-se o gigolô de Norma. Neste, mais que em qualquer outro dos seus filmes, Wilde mostra-se como um dos diretores mais modernos e ousados do cinema, fazendo um profundo estudo dos grandes mitos de uma indústria ingrata com esses mesmos mitos que a edificaram. Neste drama com toques noir, Wilde, que também trabalhou no roteiro, joga com verdade e ficção todo o tempo, mesclando sonho e realidade com perícia impressionante. A presença do próprio Cecil B. DeMille, como a escolha de Gloria Swanson para o papel de Norma, são idéias brilhantes e exitosas. Glória Swanson se identifica muito com sua personagem, são dela as memoráveis falas “We didn't need dialogue. We had faces!”, “All right, Mr. DeMille, I'm ready for my close-up” (cena chave) e, mais que todas, “I am big. It's the pictures that got small.”; ela mesma foi uma grande estrela do cinema mudo, sofreu com a transição para o cinema falado e acabou esquecida. Gloria fazendo Norma, ou seja, ela mesma, nos apresenta uma construção maravilhosa e tem o primoroso detalhe da interpretação de Norma no glorioso final da película, onde ela desce as escadas já sem noção de realidade, interpretando uma cena do que pensa ser Salomé; o primor de toda a cena está no seguinte: Max von Mayerling (Erich von Stroheim), fiel “mordomo” de Norma a avisa que as câmeras já estão prontas para a ação, e então ela desce gloriosa carregando muitíssimo nos esgares; na verdade ela vai para a prisão e os flashes são dos fotógrafos de tablóides, mas o fiel Max (que por tanto tempo manteve Norma num limbo, lhe alimentando de mentiras e cartas de fãs que ele mesmo escrevia) percebe o triste estado dela e a mantem no limbo até o fim. Os esgares são exagerados porque a interpretação no cinema mudo tinha quer ser, à guisa da interpretação de teatro, muito exagerada ou expressiva; O próprio Erich von Stroheim foi um grande diretor de filmes mudos, e o filme traz além de Gloria e DeMille, que é mostrado no set real das filmagens do clássico Sansão e Dalila (Samson and Delilah, 1949), outras lendas como Buster Keaton, Anna Q. Nilsson, H.B. Warner, Hedda Hopper, Jay Livingston e Ray Evans. O tom noir vem da tensão dos personagens, do tom corrosivo dos diálogos e da mansão de Norma, digna da senhora Havisham de Grandes Esperanças. Erich von Stroheim está perfeito no filme, assim como William Holden e Nancy Olson. O filme ganhou Globo de Ouro de filme, direção, atriz e trilha sonora, e venceu os Oscars de roteiro original, direção de arte e trilha sonora, sendo ainda indicado para filme, direção, fotografia, ator e atriz coadjuvantes, edição, ator e atriz (este ano teve umas das disputas mais acirradas, pois Bette Davis e Anne Baxter concorreram com A Malvada, onde Davis, a favorita não ganhou; quem venceu foi Judy Holliday com Nascida Ontem – Born Yesterday; a outra concorrente foi Eleonor Parker com À Margem da Vida – Caged!; perco-me em citações, pois são atrizes maravilhosas em filmes idem que não se fazem mais iguais, o que faz repensar a frase de Norma “Eu sou grande, os filmes é que ficaram pequenos”) ; no ano seguinte seria a vez de Vivien Leigh ganhar o Oscar com Uma Rua Chamada Pecado (A Streetcar Named Desire,1952), em que no final a personagem Blanche DuBois, assim como Norma, abandona a dura realidade para se refugiar na fantasia. Ambição, vaidade, obsessão pela estética, idade, narcisismo entre outros, são temas abordados com maestria neste tesouro do cinema, representante de uma época de apogeu não mais atingido hoje. O grosso do cinema de hoje nem sequer é crepuscular, visto que este estado representa ainda uma transição, enquanto que a situação hoje já está definida. Que bom que a nostalgia e o saudosismo ainda podem se consolar no passado.

Os Outros

2010-08-23T00:03:00.000-07:00

Alejandro Amenábar escreveu e dirigiu Os Outros (The Others, 2001) dando ao cinema um dos seus melhores terrores psicológicos e a Nicole Kidman a oportunidade de se firmar de vez como grande atriz (no mesmo ano ela fez Moulin Rouge, com o qual ganhou o Oscar num ótimo desempenho, mas inferior a este em que foi indicada apenas ao Globo de Ouro). O filme tem seu primeiro acerto no título. Quando se pensa em outros, pesa-se logo em personagens que não os principias, isso ajudou a proteger o segredo do filme, que realmente causa grande surpresa no final, mesmo para quem já viu o filme Ilusões Perigosas (Haunted, 1995), que já trazia semelhante desfecho. O filme mostra Grace, uma mãe tensa e superprotetora que espera anelante o retorno de seu marido. Sua filha começa a ver outra família habitando a mansão, estabelecendo o terror. O diretor tem um bom roteiro nas mãos e bilha quando causa calafrios na platéia usando elementos tradicionais do gênero, mas com uma economia e requintes primorosos: a velha mansão, dessa vez ainda mais sombria, devido à fotofobia dos filhos, as portas sempre rigorosamente fechadas, os criados suspeitíssimos e o brilhante uso da neblina em uma cena arrepiante em que o diretor nos confunde e assusta com uma aparição das mãos da própria Grace. O filme assusta com sugestões, não com efeitos e sons no máximo. Além do brilhante desempenho de Nicole, também se destacam Fionnula Flanagan como a governanta e Alakina Mann como a solerte filha de Grace. Grande filme.

Grandes Esperanças

2010-08-22T23:40:00.000-07:00

Sempre achei lindíssimo este título Grandes Esperanças (Great Expectations, 1946), apesar de inadequado, o sentido correto é dado pela palavra Expectativa não só por uma questão de tradução, mas porque é o que Pip recebe de novo (esperança todos tem sempre, ao menos os não simples de coração, que percebem o sabor amargo que a vida sempre deixa na boca, por mais doce que seja a guloseima). São as expectativas que Pip ganha que lhe permitem uma viagem onde adquire maturidade e autoconhecimento, coisas que apesar de importantes, ele e o leitor/expectador sabem que não lhe teriam nunca feito faltas, se tivesse continuado sua vida simples, honesta e algo diferente de feliz (ou felicidade não percebida). Houve muitas versões do clássico do Charles Dickens para o cinema, mas nenhuma se compara a esta do grande diretor britânico David Lean, que já estava experiente no tema do amor dorido, pois antes deste magnífico filme, fez a obra-prima Desencanto (Brief Encounter, 1945). Existem opiniões de que uma boa adaptação tem que se diferenciar da obra original, justamente para que faça sentido à palavra ‘adaptação’ e não seja mera cópia; interessante como esta versão esteja muito acima das outras em qualidade e seja a mais fiel a obra de Dickens. Impressionam a caracterização das personagens, o clima, e a riqueza de detalhes, mormente na construção da senhora Havisham, tanto na sua desolada psique quanto na atmosfera sombria em que vive; o cenário da apodrecida festa de casamento é impressionante e o claro-escuro ajuda a criar o cenário aterrador em que Pip vai entrando, cenário só menos aterrador que sua moradora (Oscar de fotografia e direção de arte; o filme concorreu aos Oscars de melhor filme, direção e roteiro adaptado). Grandes Esperanças é uma história de amor, mas o amor mostrado em sua faceta mais terrível, a paixão, pois foi justamente esse sentimento que criou um monstro tal como senhora Havisham, personagem tão fantástico e poderoso que parece pura ficção; falo ‘parece’ porque um contemporâneo de Dickens afirmou que foi um relato seu da realidade que inspirou a Dickens a personagem e diz que ela difere pouco da realidade descrita; afirmou que as tintas usadas pelo autor não foram de modo algum exageradas. Não se pode afirmar que exista alguém que viva ou viveu em tal atmosfera fantasmagórica, mas pode-se com certeza afirmar que quanto à extrema amargura e rancor, é perfeitamente normal que exista um sem número de senhoras Havisham, e isto apoiado pela Psicologia, pois o próprio Freud sempre viu a paixão (Pathos) mais próxima da patologia do que de algo salubre para a psique. Outra mola importante da história é o que dinheiro e o que ele propicia faz com as pessoas, turvando caracteres ou os confirmando. Dickens tratou o interior inglês e Londres com igualdade: ambos feios e gananciosos. E, por fim, vem a gratidão/ingratidão e o arrependimento. Do começo ao fim a sensação sentida é de tragédia, a tragédia da consciência culpada e do tempo perdido, onde não há como se voltar atrás jamais. A lição aprendida vem já tarde, o que nos faz pensar que o mal estar acompanhará os personagens até a morte. Depois desta só existe descanso, por um tempo...

Dickens moderno

2010-08-21T22:35:00.000-07:00

Este Grandes Esperanças (Great Expectations, 1998) não é fiel à obra do Dickens, mas não chega a desagradar; como todos, gosto da cena do beijo no bebedouro. O elenco, incluindo a dama, Anne Bancroft, é composto de grandes nomes, embora não brilhe, pois os personagens não tem nem os nomes nem a força dos originais, se perdem. Sabe aquelas adaptações infanto-juvenis dos grandes clássicos? Eis o que vemos aqui, uma versão bonita visualmente (a fotografia é um ponto alto), mas fraca nos demais aspectos. Há uma cena sensual entre Finn e Stella, mas até essa sensualidade é fria, calculada o bastante para errar na conta. Enfim, um filme com um tempo muito ameno, enquanto a obra original, quando não é tempestade é o anúncio desta.

Instinto Básico

2010-07-12T01:04:00.000-07:00

Instinto Selvagem (Basic Instinct, 1992) é um suspense psicológico excepcional. Um grande sucesso dirigido brilhantemente por Paul Verhoeven (mais conhecendo pelas ótimas ficções O Vingador do Futuro, Robocop e Tropas Estelares).

Nick (Michael Douglas) faz um policial de pavio curto, ex-usuário de cocaína e que passou por um processo por ter atirado, segundo ele por acidente, em civis. Ele é o prato cheio para os jogos psicológicos de Catherine Tramell, uma mulher de beleza incomparável, milionária, formada em psicologia, viciada em sexo e outras drogas e com um linguajar direto e às vezes chulo. Nick, que já tem um caso a psicóloga da corregedoria, Dr. Elizabeth Garner (Jeanne Tripplehorn), se envolve amorosamente com Catherine. Ela é suspeita de matar um cantor de rock durante o sexo, com um furador de gelo (uma cena mostra sua habilidade com tal objeto). Catherine tem livros escritos, Best-sellers policiais, e um deles chama-se “O Amor Dói”, onde há um assassinato idêntico. Então, ou alguém usou este fator para incriminá-la ou ela escreveu o livro como álibi, podendo dizer que não seria tão idiota de matar alguém da mesma forma como escreveu no livro. Vale lembrar que para cada morte que ronda sua vida, ela te um livro com enredo semelhante escrito, como no caso da morte dos seus pais. Envolvido com duas brilhantes manipuladoras, Nick acha que sua experiência como profissional que sabe muito sobre impulso homicida, o manterá dono da situação, mas acaba se vendo num inferno. O segundo triângulo da historia é formado por ele e Catherine novamente, tendo por terceira ponta, Roxy, a amante titular de Catherine (ela tem outros e outras e os usa como materiais para seus livros; investigou a vida de Nick, pois está escrevendo um livro sobre um policial atirador e diz a Nick “Você dará um ótimo personagem”; lá pelo fim da fita, ele lhe pergunta se ela não pode eliminar o assassinato da história do livro e ela lhe diz que não vai vender; perguntada por que, responde “Alguém sempre tem que morrer”). Há um assassino a solta e todas as três são suspeitas; isso torna a trama um jogo perverso de gato e ratas ou vice-versa.

Catherine é uma personagem magnífica, segundo a própria Elizabeth “Ela é brilhante”; ela hipnotiza a todos sempre que está em cena. Ela, que herdou a fortuna dos pais mortos em acidente suspeito (sendo ela própria a principal suspeita) está sempre desafiando seus próprios limites psicológicos e brincando com o perigo. Ela, quando interrogada pela polícia, numa sala repleta de homens, faz deles gato e sapato (quando ela acende um cigarro e escuta um “é proibido fumar neste edifício”, responde “vai me prender por fumar?”; depois vem a antológica cruzada de pernas sem calcinha); findado o interrogatório, faz questão de passar pelo polígrafo só pela satisfação de enganar a máquina. Quanto a Nick, Catherine se diverte testando o limite dele com seus jogos que vão desde testes, ela lhe pergunta se ele tem um cigarro, ele diz que não fuma, ela responde “Fuma sim”; em seguida ela pega um cigarro que traz consigo, acende-o e lhe oferece; ele lhe diz de novo que parou de fumar e pára, percebendo o jogo e ela diz “por pouco tempo” (na seqüência do interrogatório ela voltará a lhe oferecer um cigarro, é demais); ela também vive irritando-o, lhe chamando de ‘atirador’, fato relacionado ao seu processo e que o aborrece muitíssimo por algum motivo; ela sabe que ele lhe viu trocar de roupa e em dado momento lhe diz “Você sabe que não uso nada por baixo, não é Nick?” Sexo, amor e violência são elementos fortes no filme e se confundem; as cenas que envolvem estes três elementos são sempre fortes e ousadas, num suspense em crescente, com toques a lá Hitchcock, numa homenagem a Vertigo (locações, escada do prédio de Nick, que lembra a escada da torre em Vertigo, penteado de Catherine durante o interrogatório e o próprio jogo com a identidade das personagens, onde não sabemos quem é Catherine, Elizabeth ou Roxy em determinados momentos e em ações não vistas). Isso revela um roteiro inteligente e afiado, que brinca com o ambíguo e o misterioso, e usa elementos psicológicos para iludir o espectador, prendendo a atenção todo o tempo. No final, a ambigüidade domina, e cada um pode tirar suas conclusões sobre quem realmente é a assassina.

Na época, Camille Paglia apontou um significado fálico no picador de gelo, e o feminismo estava em alta; o linguajar, a postura, a violência do filme eram elementos muito controversos na época, o que fez dele uma sensação e colocou Sharon Stone no topo da fama. Não foi ainda neste filme que seu talento dramático foi reconhecido, mas ninguém pode deixar de comentar o quanto ela estava poderosa e bela como uma deusa olímpica. O figurino clean e sofisticado da personagem, composto por peças básicas, foi discutido, admirado e imitado mundo afora. Sem dúvida um dos principais filmes da década de 90.

Les Liaisons Dangereuses

2010-06-29T08:13:00.000-07:00

De Danilo Alves aos seus leitores

Ficareis sem dúvida satisfeitos, senhores, de conhecer minhas impressões acerca de tão inspirada película. Creio que inspiração é palavra de ordem aqui, já que o filme de Stephen Frears foi inspirado na peça Ligações Perigosas, de Christopher Hampton, ambos baseados em As Relações Perigosas, de Choderlos de Laclos. Devo dizer que o filme foi indicado aos Oscars de melhor atriz para uma magnífica Glenn Close e de atriz coadjuvante para uma tocante Michelle Pfeiffer, apesar de sua personagem não ser coadjuvante; concorreu, também, a trilha sonora e venceu roteiro adaptado, direção de arte de figurino. Stephen Frears e John Malkovich não foram indicados, o que fez a premiação perder parte de seu brilho, como jóia puída a quem uma jovem negligente esqueceu-se de dar polimento. Cumpre-me deixar-vos a par de história tão fascinante.

Dois nobres entediados com suas vidas monótonas, na França do século XVIII, cansados de seu indolente cotidiano, tem por diversão um jogo cruel e perverso: brincar com os sentimentos inocentes, manipular as ingênuas emoções. A Marquesa de Merteuil pede ao amigo, o Visconde de Valmont, que seduza a filha de uma de suas amigas, Madame de Volanges. Esta filha é Cecile de Volanges, prometida do antigo amante da Marquesa. O prêmio de Valmont é algo que só a Marquesa pode lhe ofertar. Que tarefa tão simplória para um prêmio tão elevado; para isso Valmont não atinou. Mas eis que Valmont tem intenções nefandas com a respeitável Presidenta Madame de Tourvel, senhora casada, que para suprir a falta do esposo viajante, visita a casa de campo de sua amiga, Madame de Volanges. Esta escreve àquela que se abstenha do contato com Valmont, um homem com falhas graves no caráter. Sabendo disto, Valmont tem mais empenho ainda no seu intento desonesto. Vês, que lhes conto quase tudo. Penso que tereis de conferir o livro ou o filme para se interarem do desenrolar destas execrandas aventuras. Merteuil domina todo o filme com seu cinismo tão grande quanto sua inteligência. Ela mesma diz ao Visconde que veio para dominar o seu sexo e vingar o dela. A cena final do filme é famosíssima e brilhante, fazendo um eco com a cena inicial, ambas utilizando o espelho como objeto revelador da interioridade.

A adaptação para o teatro

Existem outras versões para o cinema, As Relações Perigosas, dirigido por Roger Vadim, em 1959, com Jeanne Moreau; Milos Forman dirigiu Valmont em 1989, com Annette Bening e Colin Firth; em 1999 Roger Kumble fez sua moderna e ousada versão jovem, Segundas Intenções; há ainda Scandal, dirigido por Lee Jê Yong, com a ação transferida apara a Coréia do século XVIII; mas nenhuma destas versões consegue atingir o esplendor, a beleza, as finura e sutileza de significado que fazem do filme de Stephen Frears uma obra-prima da sétima arte. A câmera de Frears é de uma argúcia sem par; logo no início Marquesa e Visconde tem sua toalete dividida conosco, observadores, e terminam mirando-se em espelhos que em nossa posição privilegiada, vemos que são eles mesmos, reflexos um do outro. A arma escolhida é o sexo, num jogo onde a arma usada para matar é a mesma que faz intumescer. Jogadores terríveis, é praticamente impossível vencê-los, pois para isso, seria necessário um caráter correspondente ao deles e isso é raro, até mesmo num ambiente corrompido como era aquele de uma aristocracia à beira da decadência, tendo nos calcanhares a Revolução Francesa. Quem os venceria senão eles mesmos!? O estilo da época era o Rococó, estilo que louvava a beleza exageradamente ornada de tudo menos profundidade. O estilo revela o caráter dos dois jogadores, porcelanas destinadas a quebrar ao primeiro choque.

Choderlos de Laclos

Ilustração do livro

Uma peça decorada ao rococó

Nú no Sofá, de Boucher

A bela pintura de Reynolds

Reynolds

O Balanço, de Fragonard, pintura símbolo do Rococó

Dizei-me, se o sabeis, se há adaptação mais requintada, melhor inspirada do que esta, que transpôs à página gigante que é a tela, toda beleza presunçosa, todos os prazeres pretensiosos, toda uma alegria presumida, enfim, a vida fátua de uma aristocracia cuja nobreza traz um brilho embaciado, contidos nas pequenas páginas do livro. A leitura do livro faz acorrer para a tela, e assistir ao filme faz acudir às pressas ao livro. Um e outro nos deleitam com sua peculiaridade. No filme vemos a primorosa reconstituição de época, figurinos deslumbrantes, cenários e decorações ricos daquele estilo galante e donairoso que foi o Rococó. Tudo embalado por bela música. O livro nos prende com o encanto de uma prosa tão graciosa quanto cortante, como uma espada ornada de rica pedraria e cujo gume nunca embotará. Eis uns pequenos excetos:

Da Presidenta de Tourvel ao Visconde de Valmont

“...esse sentimento é penoso quando quem o inspira não o compartilha”

“Isso a que chamais felicidade não passa de um tumulto dos sentidos, uma tempestade de paixões, cujo espetáculo atemoriza, mesmo quando contemplado da praia. Ah! Como enfrentar essas tempestades? Como ousar embarca num oceano coberto de destroços de mil naufrágios? E com quem? Não, senhor, eu fico em terra: adoro os laços que a ela me prendem. Não desejaria rompê-los, ainda que o pudesse, e, se não os tivesse, apressar-me-ia em criá-los”.

Da Presidenta de Tourvel à Sra. De Rosemonde:

“Os sofrimentos do corpo, como os do espírito, fazem-nos desejar a solidão, e muitas vezes censuramos o mau humor daqueles de quem deveríamos tão-somente lastimar os males”

Da Sra. De Rosemonde à Presidenta de Tourvel:

"Oh minha jovem amiga, digo-vos, com tristeza, que sois por demais digna de ser amada para que algum dia o amor vos faça feliz*... O homem goza a felicidade que sente, e a mulher, a que dá”.

*Aqueles que são mais dignos de amor, nunca são feitos feliz por ele.

Com efeito, estou resolvido a admitir sempre que este é um dos filmes da minha vida.

Recife, neste 29 de junho de 20**.

“Onde estaríamos sem nossas infâncias sofridas!?”

2010-06-29T06:50:00.000-07:00

O filme Correndo com Tesouras (Running with Scissors) é uma da adaptação do livro autobiográfico de Augusten Burroughs. Nos anos 70, o jovem de 13 ou 14 anos vive em uma família de classe média composta por um pai alcoólatra e uma mãe com transtorno bipolar. A mãe, Deirdre, é uma poetisa que sonha com a fama e com a publicação de suas poesias. Desde criança, a mãe nunca deu uma criação convencional a Augusten, não fazendo questão, por exemplo, que ele fosse à escola. Com o agravamento contínuo das brigas, o casal vai a um especialista, que não sabemos quem indicou à mãe. Entra em cena o médico de almas, tão grave quanto hilário. Lembram da doutora Perci, do Toma Lá, Dá Cá? Bem, Miguel Falabella deve ter visto este filme para criar a personagem, pois os métodos dos dois especialistas são iguais: a terapia do confronto. Ele arruína a psique dos que estão aos seus cuidados. O psicólogo diz tudo à queima roupa. Quando a mãe diz “Eu fracassei como esposa e como mãe”, ele diz rápido e taxativo “Sim, fracassou”; ela faz uma cara de surpresa, pois nunca esperaria esta resposta de um profissional que está ali para lhe confortar; o resultado é hilário. Em outra cena, quando o filho pergunta “O que há por trás daquela porta?”, o médico responde “É uma sala adjacente, onde me masturbo”, e ele está falando a verdade. A casa do médico é tão terrível quanto aos moradores do que quanto à bagunça, enfim, um ambiente sujo e caótico. Uma galeria de personagens malucos é apresentada e todo tipo de absurdo acontece. A mãe está totalmente submetida às vontades do médico e Augusten é obrigado a morar nesta casa por um tempo, e é aí que começa a escrever diariamente sobre seu padecimento neste manicômio. A filha mais velha do médico, Hope, é a preferida do pai e ele diz isso abertamente, para desconforto da mais nova. Todos estão, por causa do médico, impregnados de psicologia, e a linguagem que usam é técnica; em um jantar, por exemplo, as irmãs brigam verbalmente o os termos usados são “fuga”, “transferência”, “Você nunca chegará à anal, estará sempre na oral” (referência às fases oral, anal e fálica ou genital ou, ainda, da libido de Freud); todos no filme provocam raiva no próximo, mas quando há uma reação, dizem “não transfira sua raiva para mim” (vou começar a agir assim, rsrsrs.). A gata da família chama-se Freud; ela diz que sonhou que vai morrer, e isso é só o começo. Para o médico, que prescreve remédios como que para suas cobaias, uma pessoa fica adulta aos treze anos e isso dá a essa pessoa total autonomia sobre sua vida; imaginem o que acontece! Também há espaço para descobertas sexuais, a mãe é bi, Augusten é gay (ele encontra um companheiro no filho mais velho do médico; curiosidade: eles vão a um festival de filmes da pouco conhecida diretora Lina Wertmuller). Lá pela metade do filme, acontece algo que temíamos, começamos a perceber que debaixo de todo absurdo, os dramas dos personagens são verdadeiros, duros e profundos, e não achamos mais tanta graça das situações, isso seria rir da miséria alheia. A personagem com mais cara e comportamento de louca, Agnes, esposa do médico, revela-se talvez a pessoa mais sã de todos, absorta em si mesma; talvez ela tenha percebido que “quando não encontramos o que procuramos por tanto tempo, talvez seja porque esteja em outro lugar”. Ela percebe que Augusten ainda tem salvação e investe nele no sentido de tirá-lo deste hospício; ela acha nele um afago à sua sede de família normal e isso é recíproco da parte dele. Ele sente falta de regas e limites, e acaba tendo que decidir-se por uma fuga rumo à vida. Agnes é feita pela atriz Jill Clayburgh numa interpretação comovente. Filme e personagens tem um clima que lembra Os Excêntricos Tenenbaums, só que mais louco ainda. Enfim, um forte drama disfarçado de comédia; ou então sem disfarce nenhum, já que parece ser comédia pelo absurdo das situações, mas são absurdos reais; então a vida tem mesmo seu teor de comédia, e comédia de humor-negro. Além da Jill Clayburgh o ótimo elenco conta com Annette Bening, Brian Cox, Joseph Fiennes, Evan Rachel Wood, Alec Baldwin, Joseph Cross e Gwyneth Paltrow. A trilha sonora cabe no filme com uma luva, terminando com a belíssima Stardust, cantada por Nat King Cole.

I Love You Phillip Morris

2010-06-29T05:46:00.000-07:00

Steven Russell é um desses sujeitos carismáticos, inteligentes e com uma lábia admirável. Mas não é perfeito não, ele não resiste ao ganho fácil, a ser desonesto, e nisto é tão confiante de si mesmo, que acaba sempre exagerando na dose e metendo os pés pelas mãos. Vemos sua trajetória de policial, esposo e pai à gay, golpista e detento. Na prisão, ele conhece o Phillip do título, e tem um tipo de lua de mel. Consegue safar a si e ao namorado, vira advogado de sucesso, mas não se emenda. É um filme mediano que só chamou mais atenção pelo fato dos protagonistas serem gays, fato que o filme em si não usa como chamariz, pelo contrário, mal nos lembramos deste detalhe e isto é um ponto positivo, pois torna este um filme sobre pessoas e não um filme “gay”, como se os gays tivessem que ter tudo separado, até um gênero cinematográfico. Nesse ponto, o filme se sai muito bem, ao mostrar o Steven Russell tão normal que o fato de ser gay (apesar de estar óbvio no filme), com o tempo é esquecido. Ele é mais um malandro, o cara “desenrolado” como há tantos. Quando ele mente para seu amor, Phillip Morris, vemos apenas o sujeito safado que mente mais por hábito que por maldade, como vemos tantos héteros fazer igual; daí vem os problemas na relação etc. Ele aprende que mentir para quem ama não leva a um final feliz. O final melodramático faz do próprio espectador mais uma vítima das mentiras do Steven Russell e isto me surpreendeu. Ewan McGregor faz bem o papel do mocinho apaixonado e melindroso; Rodrigo Santoro desta vez fala um pouquinho; e Jim Carrey é um excelente ator que se entrega por completo aos seus personagens, mas apesar de fazer o Steven com gosto, não sinto que ator e personagem se encaixem, ele faz o personagem com tanta vontade que acaba ficando muito “over”; faltou uma mão boa do diretor neste ponto.

Cuidado com a lua!

2010-06-25T02:03:00.000-07:00

Bastidores

Criatura do filme A Hora do Espanto

Sou fã desde criança de filmes de lobisomem, e a criatura, de todas, é a que mais me mete medo até hoje. Ver filmes de lobisomem para mim foi sempre, portanto, um prazer um tanto masoquista. Vejo e sofro e fico aterrorizado depois; vindo para casa tarde da noite em uma rua escura, me vêem à cabeça todos os filmes de lobisomem que já vi. Tomara que isto seja normal. Este Um Lobisomem Americano em Londres (An American Werewolf in London, 1981) do John Landis é o maior representante do gênero, um clássico admirado por público e crítica, que nunca foi superado; a cena do sonho no hospital, me deu um dos maiores sustos da minha vida. A dosagem de humor negro e terror é perfeita e os efeitos especiais não-digitais são magníficos. Os efeitos surpreendem não só na famosíssima transformação (que não considero a melhor isolada, ela empata com a fantástica e dramática transformação do filme A Hora do Espanto (Frigh Night, 1985); esse filme é sobre vampiros, mas tem um vampiro que pode se transformar de vampiro para lobo e o efeito é impressionante), mas também nas cenas do amigo morto de David, que vai literalmente se decompondo a cada aparição. Não é a toa que o filme ganhou o Oscar de melhor maquiagem no ano em que esta categoria foi criada. Tudo no filme é característico e inspiradamente bem dirigido; desde a ambientação, um lugar estranho e misterioso, o pub (que lembra uma antiga taberna) Cordeiro Estraçalhado e seus sinistros e desconfiados freqüentadores; por fim, o famoso aviso “Cuidado com a lua”, tudo dando ao filme um tom verdadeiramente sobrenatural e evocativo das antigas lendas medievais sobre a criatura (a origem do mito é grega). Obs.: John Landis também dirigiu outra obra com um lobisomem, o vídeo Thriller, do Michael Jackson, o vídeo mais premiado da história.

Amo muito tudo isso?

2010-06-24T23:14:00.000-07:00

É um inusitado e bom documentário, que seria ótimo se não fosse tão parcial. Tem momentos de bom humor e informações interessantes sobre os alimentos vendidos no McDonald’s; não precisava do documentário para saber que as fritas do Mac não são normais, rsrsrs. O diretor teve o mérito de mesclar vários estudos no filme em vez de apenas culpar a rede de lanchonetes e fez seu filme-denúncia de forma muito corajosa, não temendo represálias. Analisando o discurso do filme, percebe-se que seu texto/discurso é forte e cheio de sugestões, abusa da semiótica para mostrar o Mac como um grande vilão; este é o ponto fraco do documentário, uma vez que todos já sabem os males não só da empresa criticada, mas de todo o sistema capitalista (não sou partidário do Socialismo etc.). A sugestão/indução do diretor freqüentemente vira exagero e é a mesma indução que ele critica na moça do caixa, quando ela sempre oferece o tamanho maior; também não temos provas de certas situações, como a de ele achar um cabelo na comida. Mas como já disse, o diretor teve o mérito de fazer um trabalho muito detalhado e informativo e dirigiu sua obra de forma inventiva e dinâmica, o que impediu o filme de se tornar chato em sua duração (houve momentos em que correu mesmo esse risco). Ainda analisando o discurso, o titulo original do filme é ótimo (Super Size Me – A film of Epic Portions), mas o título em português é ainda melhor, um achado, muito poderoso em persuasão; a dieta é a do palhaço Ronald (um palhaço no sentido sombrio e maligno) e do palhaço consumidor (um palhaço no seu sentido mais ridículo e ingênuo) Obs.: a midiática denúncia do diretor nasceu quando ele soube de uma ação movida por duas jovens contra o McDonald’s; claro que o tribunal julgou improcedente a ação por falta de provas de que a comida do Mac era a causadora única ou direta dos males das jovens, coisa que aconteceu diferente no caso da ação contra a indústria do cigarro, onde provas não faltaram.

Nação Fast Food

2010-06-24T23:08:00.000-07:00

Nação Fast Food é um filme contundente, ainda que não seja brilhante. Toca em assuntos tenebrosos como os imigrantes ilegais nos EUA e sua condição de vida e de trabalho lá, além da questão dos coiotes; leis injustas; ambientalismo; frigoríficos fora dos padrões e carne contaminada. Talvez fosse assunto demais para o diretor tratar ao mesmo tempo e ele não deu conta. Mas a intenção foi valida e o recado dado. Para os mais sensíveis há um tristíssima cena do abate de uma vaca, que talvez seja bom não ver; a direção tratou de deixar a cena o mais triste possível e conseguiu. Se bem que isso não chega a ser uma novidade, já que há documentários que mostram toda a terrível realidade não só dos frigoríficos e seus métodos antiquados, mas maus tratos a animais em geral.

Sin City

2010-06-24T23:05:00.000-07:00

Umas das mais perfeitas adaptações dos quadrinhos (junto com 300), Sin City é um deslumbrante espetáculo visual. Cada cena e cada fala são cópias praticamente exatas do HQ de Frank Miller, que dirige o filme junto com Robert Rodrigues (Quentin Tarantino dirigiu apenas uma cena). O filme é todo em um estupendo preto-e-branco, só havendo a presença da cor em momentos muito relevantes, para realçar emoções. Com grande duração e formidável elenco, o filme cobre três volumes da série, mesclando suas histórias. O excelente Mickey Rourke faz meu personagem preferido no filme, o grandalhão Marv; os esparadrapos em seu corpo dão um efeito sensacional. Outro destaque é a cafetina Gail, feita pela Rosario Dawson. Como o próprio título já informa, Sin City é mesmo uma cidade do pecado, uma cidade toda submundo, onde o clima noir, com seu magnífico jogo de luzes e sombras, esconde e revela todo tipo de marginal com ou sem uma causa.

Like a Virgen

2010-06-24T22:53:00.000-07:00

Vi recentemente Cães de Aluguel, pela primeira vez, e é muito interessante ver o filme que lançou Tarantino (esse é seu segundo filme, o primeiro, super tosco, está disponível na internet, chama-se My Best Friend Birthday, de 1987, com 36min.) depois de ter visto obras mais sofisticadas dele. O filme é tipo um policial barato, lembrando aquelas séries de TV da década de 80, só que muito bom. O diálogo (politicamente incorreto ao se referir aos negros, falo politicamente incorreto porque não consegui identificar racismo ali e toda a obra de Tarantino o mostra dando destaque importante aos negros e sua cultura) é delicioso e também o ponto alto do filme. O melhor deste dialogo está logo na abertura, na sequência da lanchonete; já é muito conhecida a discussão em torno dos significados das musicas de Madonna. Os personagens do diretor são muito verossímeis porque discutem questões humanas, por mais prosaicas que sejam, são humanas; eles discutem assuntos que nós mesmos discutimos, aquelas “besteiras” que surgem em cada roda amigos; os personagens aqui não seguem apenas o texto linear para dar um sentido á ação praticada; há um belo roteiro e também há falas soltas que não tem haver com a história, mas tem muito haver com a vivência dos personagens. Ainda por cima, esse diálogo é dito por um time maravilhoso de atores que parecem ter sido escolhidos a dedo. Saber que o diretor não fez faculdade de cinema, mas que era balconista de locadora é maravilhoso; quantos de nós não temos amigos que trabalham em locadora e manjam muito de cinema e não são cineastas apenas por falta de oportunidade? Tarantino é um cinéfilo e assim filma, isso causa muita identificação nos seus fãs, que vêem na tela coisas que sempre quiseram ver em filmes e que só o Tarantino faz e com muito brilho. Os elementos tarantinescos já estão lá, as reviravoltas cronológicas, o bom uso da trilha sonora e a cruenta violência. O final abrupto encerra um filme que marcou o início da carreira de um dos grandes diretores do cinema, que pela idade e pelo que já mostrou, certamente ainda nos dará muitas obras-primas.

Segundas Intenções

2010-05-23T03:16:00.000-07:00

Certa tarde fui ao cinema para ver o filme Pânico no Lago. Como o filme não estava em cartaz na sessão que eu imaginei, para não voltar para casa, fui ver o que estava em cartaz no momento. O filme era Segundas Intenções e eu não tinha, até o momento, nenhuma informação sobre ele. Tive uma grata surpresa com o filme. Primeiro o visual me deslumbrou, tudo muito moderno, uma modernidade que se revela também nas atitudes dos personagens; depois identifiquei logo que se tratava de uma atualização de Ligações Perigosas, um dos meus filmes prediletos. A maldade e manipulação continuam, só que agora com aquele tom adolescente e irônico e o diretor usou de forma inteligente todas as liberdades que os jovens se dão, na hora de construir suas cenas. O elenco, quase todo jovem, é bonito e talentoso. Os personagens, Kathryn e Sebastian, chamam-se de irmãos o tempo todo, o que faz o clima entre os dois ser de incestuosa malícia; há uma cena extremamente sensual entre os dois sentados em uma poltrona, enquanto fazem os mútuos desafios. A surpresa, para mim, foi a atriz Selma Blair, ela mostra-se uma excelente comediante com sua Cecile. Foi ainda neste filme que rolou uma cena de beijo entre duas mulheres de forma muito prosaica, o que depois virou mania em filmes e vídeos, sem prosaísmo algum. O final de Ligações Perigosas é clássico e famoso, então está versão moderna também tratou de caprichar no seu final, ganhando muito com a execução da bela Bittersweet Symphony, do The Verve. Muito bom.

Projeto Grindhouse + Falsos trailers + À Prova de Morte + Planeta Terror

2010-04-24T18:40:00.000-07:00

Clique na foto acima para ver os detalhes, vale a pena. Obs: todas as fotos abrem grande.

Grindhouse pode ser analisado como um filme-projeto, mesmo suas partes sendo disponibilizadas para apreciação individual, uma vez que o Grindhouse original funciona diferente como filme, tanto pela idéia da dupla sessão e trailers fakes (idéia já usada em outros filmes), falsas propagandas e a deliciosa chamada “Prevues of Coming Attractions” quanto pelos próprios filmes À Prova de Morte e Planeta Terror, que no projeto tinham duração e edição diferentes, exatamente para funcionassem juntos, um sendo gancho do outro; alguns personagens, como a anestesista, transitam nos dois filmes, sendo que À Prova de Morte vem primeiro. A idéia do projeto é maravilhosa e vem mesmo de gente que ama pra valer o cinema, não apenas aquele tipo de amor de cinéfilo enjoado que só fala em Fellini, mas aquele que gosta de tudo, contanto que esse tudo seja muito legal e criativo. Grindhouses eram salas de cinema dos 60 e 70 (em alguns filmes e algumas matérias sobre cinema já vimos sobre elas) onde eram exibidos filmes de baixo orçamento, filmes chamados “B” ou “Z”; nestes filmes (que não podiam ser exibidos nos cinemas normais) imperavam as cenas de sexo e violência, aquele tipo de filme apelativo que hoje vemos com tanta satisfação em sessões como o Cine Trash, apresentado por Zé do Caixão. Nas salas grindhouse, o público pagava apenas uma entrada e podia ver até três filmes (o normal era a exibição de apenas dois). Isso lembra um pouco a emergência dos multiplex nos EUA, quando o pessoal saía de sua sessão para outras, enlouquecendo os lanterninhas. E esta idéia de pagar uma entrada e ver dois espetáculos não é novidade das grinhouses, já no século XIX em Paris e na Inglaterra, por exemplo, havia esta prática (com algumas diferenças) nos teatros e nas óperas cômicas. Esse tipo de filme também dominou ou drive-ins. As referências ao filmes da época, no projeto Grindhouse, são diversas como as maravilhosamente propositais falhas técnicas, como sofrível fotografia, riscos na tela, cortes bruscos, manchas, chuviscos, estalos, tremedeiras, falhas sonoras e até uma imagem como se o celulóide estivesse derretendo e uma mensagem aparecendo para dizer que o cinema não tem o rolo da parte faltante. Grindhouse junta uma turma de amigos da pesada, cada um com um bom currículo no gênero, Robert Rodriguez (que fez o ótimo Um Drink no Inferno), Eli Roth (que fez Cabana do Inferno e o ótimo O Albergue), Rob Zombie (A Casa dos 1000 Corpos e Halloween, o Início), Edgar Wright (Todo Mundo Quase Morto), além do Tarantino, roteirista em filmes como (Eles Matam e Nós Limpamos) e que foi um freqüentador de grindhouses. O destino das grindhouses foi virar salas de filmes pornôs e exploitation nos anos 80. Vimos, muitas vezes, fato semelhante ocorrer no Brasil, onde salas clássicas viraram cinemas pornôs e estão aí até hoje. Salas que guardam seus pomposos nomes, como Art Palácio ou Cine Glória, e era exatamente assim a origem das grindhouses, oriundas dos Movie Palaces, criados durante a época de ouro do cinema americano nos 30 e 40.

Os falsos trailers:

Peru de Ação de Graças

Eli Roth, o diretor. Rapaz muito sério, como podem ver.

Thanksgiving, de Eli Roth, é tipo um Sexta-feira 13 perverso e mostra um assassino dos mais sádicos atacando no Dia de Ação de Graças.

Manchete, de Robert Rodriguez e estrelado pelo expressivo Danny Trejo (presença constante nos filmes de Rodriguez e Tarantino), mostra um homem e sua devastadora vingança, seu nome é MANCHETE, o vingador mexicano. O trailer virará um longa posteriormente.

O diretor Edgar Wright com uma de suas criaturas. A amizade é tudo.

Don’t, de Edgar Wright, junta vários elementos do terror com uma narração de arrasar, sendo dos falsos trailers o que mais tive vontade de ver como filme.

O diretor Rob Zombie bem básico.

Rob Zombie e suas amizades de rock

Werewolf Women of the SS, de Rob Zombie, com Nicolas Cage (como Fu Manchu), Sheri Moon Zombie (esposa do diretor), Bill Moseley e Udo Kier. É a história das experiências do Dr. Heinrich à serviço de Hitler, para criar um poderoso exército de “lobisomas”. Dizem que acharam realmente documentos reais com estas loucuras, escondidos em um esconderijo do ditador.

Agora veremos as duas atrações principais.

Seus diretores: Quentin Tarantino e Robert Rodriguez

À Prova de morte, isolado do projeto Grinhouse, traz as cenas ditas “desaparecidas” na versão concorrente à Palma de Ouro em Cannes. São mais meia hora de filme, com uma sequência inédita em preto-e-branco. Conta a história de Stuntman Mike, um dublê sádico e misógino que utiliza seu carro à prova de morte para matar mulheres brutalmente. Kurt Russell faz o personagem com perfeição, um homem violento dentro do seu carro e covarde e patético fora dele. Há bons diálogos, trilha sonora incrível e um excitante elenco feminino, com Tracie Thoms, Sydney Tamiia Poitier, Rosario Dawson e Mary Elizabeth Winstead (como Lee, uma mocinha tão linda quanto ingênua, daquelas que se estupram com dó e selvageria em nossas ‘fantasias’, deixada na boca do lobo pelas amigas rsrsrs); destaque para a linda, e gostosa mesmo, atriz Vanessa Ferlito, fazendo uma dança do colo ao som Down in Mexico cantada por The Coasters. Há, também, o Eli Roth no elenco, ou seja, é uma festa entre amigos. Na parte final do filme, há duas sequências geniais, daquelas que só Tarantino realiza, um acidente magnificamente filmado e mostrado sob vários ângulos (até aqui a podolatria do Tarantino se faz presente) e a fantástica perseguição de carros. Quanto à perseguição, a sequência envolve dois “muscle cars” (carros com motores V8 super potentes), uma Chevy Nova preta com um pato endiabrado no capô e o outro, um desejado Dodge Challenger branco. Não poderia de deixar de falar na personagem Zoë que na verdade é a atriz/dublê neozelandesa Zoë Bell fazendo ela mesma, motivo da excelência das cenas em que a personagem fica atada em alta velocidade no capô do carro e o público fica assombrado; Zoë já trabalhou com Tarantino em Kill Bill, sendo dublê de Uma Thurman. O filme termina ao som de Chick Habit com April March. Perfeito.

Amo este poster

Olha o espelho!

Planeta Terror, isolado do projeto Grinhouse, tem uma duração maior com a adição de material inédito. No interior do Texas, a população é infectada por um gás tóxico (usado pelo exército – participação de Bruce Willis – dos EUA no Oriente Médio, lamentável). Os infectados tem os corpos cobertos por fístulas purulentas e estes mesmos corpos ficam como que podres, ao ponto de despedaçarem sem esforço (houve quem falasse que os efeitos deviam ter sido mais fracos, para combinar com o filme); não são zumbis ou mortos-vivos, mas pra não fugir à regra passam a se alimentar de carne humana. Há uma personagem extremamente dramática, é a triste go-go-girl Cherry Darling, que tendo parte da perna arrancada por um faminto infectado, tem, com a ajuda do ex-namorado El Wray, uma metralhadora à guisa de prótese; esta loucura soa muito convincente (mérito de diretor e atriz), e quem faz o El Wray é o ator Freddy Rodrigues da querida série À Sete Palmos. Daí em adiante o filme segue com muita ação e cenas inusitadas como a de El Wray fugindo em uma motinha de criança e uma galeria também inusitada de personagens: tem a ótima Dra. Dakota Block, anestesista que guarda na cinta-liga suas agulhas/armas; JT que em meio ao desespero geral só pensa em aperfeiçoar seu molho de churrasco, o melhor do Texas; a cantora Fergie sendo estraçalhada; o policial tarado, feito por Tarantino, que não pode fazer mal à sua vítima, pois seu pênis se decompõe; babás gêmeas; o terrível médico feito pelo ótimo Josh Brolin; o terrorista (o Said de Lost) colecionador de testículos; um pastor que vira matador; necrófilos etc. O diretor Robert Rodriguez (que também foi roteirista, compositor, editor, produtor e fotógrafo) faz com seu filme uma homenagem ao George A. Romero e a outros nomes do gênero, e até à sua parceria com Tarantino, trazendo o personagem do xerife, famoso nos filmes Um Drink no Inferno e Kill Bill, Volume 1. Diversão garantida.